"Un colore senza materia non esiste... Io credo che la prima cosa da fare sia liberare il colore dal pennello... Se in procinto di creare non si getta via il pennello non c'è speranza di emancipare le tinte. Senza pennello le sostanze coloranti prenderanno vita per la prima volta. Al posto del pennello si potrebbe usare con profitto qualsivoglia strumento."
Nato ad Osaka nel 1928, Shimamoto è uno dei più importanti esponenti, nonché co-fondatore, del Movimento artistico Gutai, formatosi nel 1954 nella regione del Kansai, in Giappone, assieme agli artisti Jiro Yoshihara, Akira Kanayama, Saburo Murakami e Kazuo Shiraga. Le loro attività hanno anticipato i grandi cambiamenti dell'arte occidentale dei primi anni Sessanta. Il nome del movimento, Gutai bijutsu kyokai in giapponese significa Associazione dell'Arte concreta. La loro attività artistica è infatti prevalentemente rivolta alla ricerca dell'espressività intrinseca della materia colore presa nella sua individualità, non più distorta o comunque comandata dalla gestualità del pennello, ma lasciata libera di esplicarsi nella sua corporeità. Nel 1957 il Gruppo inscena il "Gutai Stage Exhibition": per la prima volta nella storia il palcoscenico viene usato come vivo spazio artistico, in cui le opere prendono forma per mezzo di un cannone spara colori, inventato appositamente da Shimamoto, il tutto accompagnato da un sottofondo musicale. Da queste premesse nasce un nuovo modo di operare mediante lanci di colore su tela avvalendosi o del proprio corpo o di strumenti singolari quali armi da fuoco, elicotteri e gru: l'arte diventa Azione, Evento, Happening, Performance, e l'artista diventa spettatore del rivelarsi della materia colore. Le performances diventano così parte integrante del fare artistico e alcuni dei suoi lavori audio, preannunciatori dei lavori Fluxus di John Cage, vengono acquistati dal Centre Pompidou di Parigi e dal Museo Città di Ashiya.
Negli anni Sessanta Shimamoto partecipa con le sue opere pittoriche a tutte alle esposizioni del Gruppo Gutai: scoperti e presentati sul panorama internazionale dal giovane critico Michel Tapié, che si fa portavoce del gruppo assimilandoli all'Informale ed al Tachisme, gli artisti del Gutai iniziano ad esporre nelle gallerie più prestigiose del mondo.
Nel 1972 il Gruppo Gutai si scioglie e Shimamoto comincia ad interessarsi alla Mail Art o Networking Art, sviluppando una nuova e personalissima concezione dell'uomo-artista e dell'opera come prodotto di una lavoro sociale e collettivo che si riflette in un ben preciso progetto: ogni volta che incontra un artista lo invita ad intervenire con pennarelli, colori e oggetti sulla sua testa rasata conservando la documentazione fotografica del lavoro. Con lo stesso spirito oggi realizza le sue immense tele: nel 1990, ad esempio, presso la Galleria Nazionale d'Arte Moderna di Roma, riproduce la performance realizzata nel 1956 durante la "Seconda mostra all'Ohara Kaikan" di Tokyo apportandovi nuovi significati: Shimamoto invita gli artisti postali a inviargli piccoli oggetti da inserire nelle bottigliette contenenti il colore. La tela così prende vita dal Network e si compone di colore, chicchi di riso, conchiglie, sabbia e altri simili materiali. Tra gli anni Ottanta e Novanta realizza una serie di performances in America e in tutta Europa. Nel 1993 il Gruppo viene invitato alla Biennale di Venezia. Nel 1994 la curatrice della mostra "L'arte giapponese dopo il 1945: il grido contro il cielo" tenuta al Guggenheim di New York, Alexandra Munroe, scopre che i buchi di Shimamoto risalgono al 1950, ovvero sono anticipatori delle illustri creazioni di Lucio Fontana. Questa rivelazione comporta un rinnovato interesse da parte della critica americana nei confronti dell'artista giapponese, che viene così inserito nelle maggiori enciclopedie e nei manuali di storia dell'arte. Nel 1996, per le sue attività pacifiste dopo l'incontro con il fisico nucleare Bern Porter, creatore della bomba nucleare sganciata su Hiroshima, viene proposto come candidato al premio Nobel per la Pace. Nel 1998 viene scelto come uno dei quattro più grandi artisti del mondo del dopoguerra assieme a Jackson Pollock, John Cage e Lucio Fontana, per un'esposizione al MOCA di Los Angeles. Nel 1999 partecipa alla 48a Biennale di Venezia con David Bowes e Yoko Ono e nel 2003 ritorna alla 50a Biennale con il progetto "Brain Academy Apartment". Nel 2004 realizza una performance in elicottero come pre-evento della successiva Biennale di Venezia del 2005. Nel maggio 2006 la Fondazione Morra di Napoli ospita una sua antologica, inaugurata da una performance nella storica Piazza Dante. Nel 2007 il Maestro partecipa nuovamente alla Biennale di Venezia con una suggestiva performance e prende parte all'"Art Challenged Project" organizzando una mostra di artisti disabili a Pechino.
Impegnato nell'insegnamento accademico presso la Kyoto University of Education, il Maestro è attualmente Presidente della Takarazuka University of Art and Design e dell'Associazione Giapponese Artisti Disabili. Le sue opere si trovano nei maggiori musei del mondo, tra cui Tate Gallery, Centre Pompidou, Galleria di Arte Moderna di Roma, Art Museum di Berna, Galleria d'arte Moderna di Venezia e in quasi tutti i musei giapponesi.
2008 PERSONALI E PERFORMANCES “Vento d'Oriente”, mostra e performance, Certosa di San Giacomo, Capri
2007 PERSONALI E PERFORMANCES “Shozo Shimamoto: Colori in azione 1950-2006”, Galleria Pier Giuseppe Carini e Luciano Donatini, San Giovanni Valdarno “Bottle Crash”, performance, Chiostro Di San Nicolo', Venezia “Felissimo” Performance, Kobe Fashion Museum
2006 PERSONALI E PERFORMANCES “Shozo Shimamoto”: Napoli 26-27-28 maggio 2006
COLLETTIVE “Zero. Avant-garde Internationale des années 1950-60”, Musée Saint Etienne Metropole, Saint Etienne; Stiftung Museum Kunst Palast, Dusseldorf
2005 PERSONALI E PERFORMANCES Performance in elicottero, Trevi Mostra, Reggio Emilia
COLLETTIVE “Gutai e Au”, Modena “Size”, Udine
2004 PERSONALI E PERFORMANCES Mostra “Shozo Shimamoto: dal Gutai a Proxima 1955-2004” e Performance “Nyotaku”, Galleria Internazionale d'Arte Contemporanea, Ca' Pesaro, Venezia
COLLETTIVE “Traces: body and idea in contemporary art”, National Museum of Modern Art, Kyoto; National Museum of Modern Art, Tokyo
2003 PERSONALI E PERFORMANCES 50a Biennale di Venezia, Venezia
2001 COLLETTIVE “Le Tribù dell'Arte”, curatore Achille Bonito Oliva, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma
2000 COLLETTIVE “Sentieri interrotti. Crisi della rappresentazione e iconoclastia nelle arti dagli anni Cinquanta alla fine del Secolo”, Bassano del Grappa
1999 PERSONALI E PERFORMANCES 48a Biennale di Venezia, Venezia
COLLETTIVE “Gutai”, Galerie Nationale du Jeu de Paume, Parigi
1998 COLLETTIVE “Out of Actions: Between Performance and the Objects, 1949-1979”, Museum of contemporary Art, Los Angeles; Osteirresches Museum fur angewandte Kunst, Vienna; Museu d'Art Contemporani, Barcellona; Tokyo City Museum of Art
1997 PERSONALI E PERFORMANCES “Shozo Shimamoto, Gutai-Works”, mostra e performance, Hundertmark Gallery, Colonia
COLLETTIVE “Scene of the crime”, Armand and Hammer Museum, UCLA “Gravity: Axis of Contemporary Art”, National Museum of Art, Osaka
1994 PERSONALI E PERFORMANCES “Art Party and Works”, Hankyu Departement Store, Kobe
COLLETTIVE “Japanese Art after 1945: scream against the sky”, Museum of Art of Yokohama, Guggenheim Museum, New York; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco
1993 PERSONALI E PERFORMANCES Mostra Shozo Shimamoto, Sankaku Park, Fenice Gallery, Osaka Performance ed esposizione, Helsinki 45a Biennale di Venezia, Venezia
COLLETTIVE “Gutai II -1959-1965”, Ashiya City Museum of Art & History, Ashiya “Gutai III- 1965-1972” Ashiya City Museum of Art & History, Ashiya “Gutai 1955-1956-The contemporary Japanese art finds a second breath”, Penrose Institute of Contemporary Arts, Tokyo; Kirin Plaza, Osaka “Gutai Suite?”, Palais des Arts, Tolosa
1992 COLLETTIVE “Avant-garde japanese Gutai” Miyagi Museum of Art, Miyagi “Gutai I -1954-1958”, Ashiya City Museum of Art & History, Ashiya “Open-air Exhibition: a new way” Parc d'Ashiya, Ashiya
1990 COLLETTIVE Shoto Museum of Art, Tokyo “Giappone all'avanguardia. Il Gruppo Gutai negli anni Cinquanta“, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Roma
1986 COLLETTIVE “Japon des avant gardes: 1910-1970", Centre Georges Pompidou, Parigi
1985 COLLETTIVE “Yoshihara and Gutai, 1954-1972”, Cultural Center, Ashiya “Action, Emotion. Peinting: Informal, Cobra, Gutai”, Museum of Modern Art, Osaka “Reconstructions: Avant-Garde Art in Japan 1945-1965”, Museum of Modern Art, Oxford “Grupo Gutai: Pintura y Acciòn”, Museo Espanol de Arte Contemporàneo, Madrid; Muszej Savremene Umetnosti, Belgrado; Museum of Modern Art, Kobe
1984 PERSONALI E PERFORMANCES Performance, Hundertmark Gallery, Colonia
1983 COLLETTIVE “6 Artists of Gutai/Artists' Union” Municipal Art Gallery, Itami
1982 COLLETTIVE “Toward the Museum of Tomorrow- Live Art Theater ”, Museum of Modern Art, Kobe
1981 PERSONALI E PERFORMANCES Exhibition, Center of Contemporary Art, Osaka
COLLETTIVE “Directions in Post-War Art I- The 1950s- Gloom and Shafts of Lights”, Museum of Modern Art, Tokyo
1979 COLLETTIVE “After Yoshihara and Gutai”, Museum of Modern Art, Kobe
1976 COLLETTIVE “Today's Notion of Space”, Municipal Art Gallery, Yokohama “18 years Art Gutai”, Prefectural Art Gallery, Osaka
1972 PERSONALI E PERFORMANCES Exhibition, Galeria Sobrad, Sao Paolo Exhibition, Muramatsu Gallery, Tokyo
1970 COLLETTIVE Pavilion Gutai, Expo, Osaka
1969 COLLETTIVE “9 Contemporary japanese art Exhibition”, Tokyo Museum, Tokyo
1966 COLLETTIVE “2 e Salon International des galeries pilotes”, Losanna
1965 COLLETTIVE “Nul Negentienhonderd vijf en Zegtig”, Stedelijk Museum, Amsterdam
1962 PERSONALI E PERFORMANCES Mostra personale, Pinacoteca Gutai, Osaka
1961 COLLETTIVE “Continuité et avant-garde au Japon”, International Center of Aesthetic Research, Torino
1960 COLLETTIVE “International Sky Festival”, Great Stores Takashimaya, Osaka
1959 COLLETTIVE “Arte Nuova: Esposizione Internazionale di Pittura e Scultura”, Circolo degli Artisti, Palazzo Graneri, Torino “15 contemporary Japanese artists introduced by Michel Tapié”, Gendai Gallery, Tokyo
1958 COLLETTIVE “Second Gutai stage Exhibition”, Center Asahi, Osaka “The new painting in the world. Informal and Gutai”, Great Stores Takashimaya, Osaka
1957 COLLETTIVE “Gutai stage Exhibition”, Center Sankei, Osaka, Center Sankei, Tokyo “1st Exhibition of young talents Asahi”, Great Stores Takashimaya, Osaka
1956 COLLETTIVE “2nd Gutai Open-air Exhibition”, Ashiya “2nd Art Gutai Exhibition”, Center Ohara, Tokyo
1955 COLLETTIVE “1st Gutai Open-air Exhibition”, Ashiya “1st Art Gutai Exhibition”, Center Ohara, Tokyo
G. Cane, Gutai. Quando il mondo è inondato di colore, ne “Il Manifesto”, Milano, 31 Maggio 2008
R. Chiessi, V. Deho, S.Shimamoto, Shozo Shimamoto: Action colours 1950-2006, Galleria Pier Giuseppe Carini & Luciano Donatini, San Giovanni Valdarno (AR) 2007
S.Shimamoto, Shozo Shimamoto: Napoli 26-27-28 maggio 2006, cat. mostra, Fondazione Morra, Napoli 2006
Various Authors, Zero. Avant-garde Internationale des années 1950-60, cat. mostra, Musée Saint Etienne Metropole, Dusseldorf 2006
O. Shinichiro, Traces: body and idea in contemporary art, cat. mostra, National Museum of Modern Art, Kyoto 2005
G. Di Mauro, M.L. Pavanini, S. Shimamoto, Shozo Shimamoto: dal Gutai a Proxima 1955-2004, cat. mostra, Galleria Internazionale d'arte moderna e Museo d'arte orientale Ca' Pesaro, Venezia 2004
A. Bonito Oliva, Le Tribù dell'Arte, cat. mostra, Galleria Comunale d'Arte Moderna e Contemporanea, Skira, Milano 2001
I. Masaaki, La Pittura Giapponese dal 1800 al 2000, Skira, Milano 2001
A.A.V.V., Sentieri interrotti. Crisi della rappresentazione e iconoclastia nelle arti dagli anni Cinquanta alla fine del Secolo, cat. mostra, Edizione Charta, Bassano del Grappa 2000
A.A.V.V., Shozo Shimamoto Italian Festival, cat. mostra, (testi di M. Corgnati, B. Grimani, E. Mascelloni, Sarenco), Parise Adriano, Colognola ai Colli (VR) 1999
A.A.V.V., Gutai, cat. mostra, Galerie Nationale du Jeu de Paume, Parigi 1999
Y.Tono, “Jackson Pollock et le groupe Gutai”, Jackson Pollock, cat. mostra, Centre George Pompidou, Parigi 1982
P.Schimmel, Out of Actions: Between Performance and the Objet, 1949-1979, cat. mostra, Museum of contemporary Art, Los Angeles, Thames and Hudson, New York 1998
V.Baroni, Arte postale. Guida al Network della corrispondenza creativa, AAA editore, 1997
M.Bandini, Tapié. Un art autre, cat. mostra, Edizioni d'arte Fratelli Pozzo, Torino 1997
A. Munroe, Japanese Art after 1945: scream against the sky, cat. mostra, Harry N. Abrams, New York 1994
G. Politi, B. Bertozzi, Shozo Shimamoto e il Gruppo Gutaj. L’opera d’arte nasce come intervento collettivo, in “Flash Art Italia” N°177 estate 1993
B. Bertozzi, Gutai. The happening people, in “Flash Art International” N°158 May/June 1991
Giappone all’avanguardia. Gruppo Gutai negli anni Cinquanta, cat. mostra, a cura di S.Osaki, A. Monferrini, M. Cossu, Electa, Milano 1990
Centre Georges Pompidou, Japon des avant gardes. 1910-1970. cat. mostra, Centre Pompidou, Parigi 1986
A.A.V.V., Giappone avanguardia del futuro, cat. mostra a cura di E. De Miro, Electa, Milano 1985
T. Terada, Japanese art in world perspective, Heibonsha, Tokyo 1976
A.Kaprow, Assemblage, Environments and Happenings, H.V. Abrams, New York 1966
Hermann Nitsch, uno dei maggiori esponenti dell'azionismo viennese, nasce in Austria, a Vienna, nel 1938. Nel 1957 elabora il concetto di Teatro delle Orge e dei Misteri ("Orgien Mysterien Theater"), una nuova forma di arte totale (Gesamtkunstwerk) che coinvolge tutti e cinque i sensi in cui, con intenti freudianamente liberatori, gli elementi profondi sensoriali-pulsionali affiorano attraverso uno stato di eccitazione psico-fisica. Forte è il rapporto dell'Orgien Mysterien Theater con le cerimonie rituali e religiose dei popoli arcaici, durante le quali si sacrificavano animali e si spargeva il loro sangue ed interiora. Nel 1961 forma il gruppo artistico del “Wiener Aktionismus”, Arte in azione, importando in Austria le tematiche della pittura gestuale. La prima Aktion (Blood Organ), alla quale ne seguiranno più di un centinaio, si svolge nel dicembre 1962 a Vienna e dura circa 30 minuti. Un uomo è incatenato come se fosse crocifisso e viene coperto con un lenzuolo bianco. L'artista versa sulla sua faccia del sangue che si riversa sul lenzuolo. Il modo in cui il sangue (o il colore) si fissano sulla superficie del telo, scorrendo liberamente verso il basso, sarà lo stesso in cui negli anni seguenti Nitsch crea gli Shuettbilder, o “dipinti versati”, che caratterizzano la sua produzione. Per Hermann Nitsch, unanimemente considerato uno dei più significativi artisti europei, teatro, palcoscenico, musica e architettura divengono alchemicamente imprescindibili l'uno dall'altro. Nell'Aktionstheater (Teatro d'Azione) l'artista viennese introduce sostanze organiche come la carne di vitelli o pecore sventrati, liquidi corporali come il sangue e l'urina e paramenti liturgici come mitre cardinalizie, pianete, cotte, ostensori e croci. Durante le sue performance i primordiali istinti umani, che l'artista ritiene repressi dalle norme e dalle imposizioni sociali, riemergono prepotentemente. Nel 1971 acquista il castello di Prinzendorf: qui il suo teatro di performance diviene via via più complesso. L'artista orchestra le performance, che durano anche sei giorni consecutivi, al pari di un sacerdote o di un direttore sinfonico. Il sottofondo delle Aktionen è infatti la partitura di sue composizioni, simili alle litanie dei monaci ortodossi. Nitsch ha esposto al Kunstverein di Colonia nel 1970, a Documenta V e VII di Kassel, alla Biennale di Sidney nel 1988, all'Akademie der Künste di Berlino nel 1993, al Centre Georges Pompidou nel 1994, allo Stedelijk Museum di Amsterdam nel 1995. Il Palazzo delle Esposizioni di Roma gli dedica una retrospettiva l'anno successivo, cui seguono altre due importanti retrospettive al Konsthallen Goeteborg in Svezia e al Musee d'Art e d'Histoire in Lussemburgo. Tra le personali recenti si ricordano quella tenuta al Museo di Arte e Storia di Göteborg nel 1997, al Palazzo Stelline di Milano nel 2000, alla Fondazione Morra di Napoli nel 2002, alla Galleria Mike Weiss di New York nel 2004. Le opere di Nitsch si trovano, tra gli altri, nei seguenti musei: Museum of Modern Art, Guggenheim, Metropolitan Museum di New York; alla Tate Gallery di Londra; al centre George Pompidou di Parigi; Museo Stedelijk di Amsterdam; al Mart di Trento. Ha tenuto azioni, concerti e conferenze in tutto il mondo. Nel 2005 gli viene conferito l'Austrian State Prize in occasione della 122 Aktion al Burgteather di Vienna. Nel maggio 2007 la città di Mistelbach ha inaugurato un museo a lui dedicato, l'Hermann Nitsch Museum.
2007 PERSONALI E AZIONI Galerie Hilger, Vienna Niederösterreichisches Landesmusem, St.Pölten Galerie Maringer, St.Pölten Galerie am Stein, Schärding Inauguration of Hermann Nitsch Museum, Mistelbach Galerie Fortlaan 17, Ghent “Relitti-122. Aktion-Burgtheater”, Vienna; Fondazione Morra, Napoli Park Hotel, Ravenna Galerie Public Beaumont, Lussemburgo Box Art, Verona Galerie Public Beaumont, Parigi Galerie Jünger, Baden Galleria De' Foscherari, Bologna Kunsthaus, Bregenz
COLLETTIVE Künstlerhaus, Vienna
2006 PERSONALI E AZIONI Galerie Curtze, Berlino Galerie White Space, Pechino Mike Weiss Galery, New York Galerie Yamamoto Gendai, Tokyo Martin-Gropius-Bau, Berlino “Large Retrospective”, Galerie Weihergut, Salisburgo Primo Piano Livingallery, Lecce Galerie 422, Gmunden
2005 PERSONALI E AZIONI “122.Aktion”, Burgtheater, Vienna Lower Austrian Centre of Documentation of Modern Art, St. Pölten Saatchi Gallery, Londra Neue Galerie, Graz Galerie Christine König, Vienna Galerie Jünger, Baden Station Museum of Contemporary Art, Houston “Actions 1962-2003”, Slought Foundation, Phildelphia
2004 PERSONALI E AZIONI Mike Weiss Gallery, New York Graphische Sammlung im Städelmuseum, Francoforte Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna Brucknerhaus, Linz Haus der Musik, Vienna Galerie am Stein, Schärding
2003 PERSONALI E AZIONI “Retrospective” Kulturamt Köflach, Sammlung Essl Art Scarplin, Merano Fondazione Morra, Napoli Galerie Kunst & Handel, Graz Haus der Musik, Vienna; Galerie Gerersdorfer, Vienna Galerie im Traklhaus, Salisburgo “Hermann Nitsch, works from Sammlung Essl 1960–2000”, Sammlung Essl, Klosterneuburg
COLLETTIVE “Good Morning Balkan”, Atene
2002 PERSONALI E AZIONI Fondazione Morra, Napoli Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna Museum der Moderne Salisburgo Rupertinum, Salisburgo Gallery Fortlaan, Ghent
2001 PERSONALI E AZIONI “Das große Bodenbild as part of the Master Works series”, Belvedere Museum, Vienna “O.M. Theater Projects United”, Hürlimann Areal, Zurigo “Das 6 Tage Spiel 1998”, Hamburger Bahnhof, Berlino
2000 PERSONALI E AZIONI “L'ultima cena”, Palazzo Stelline, Milano
COLLETTIVE Paradise lost, Stephanssift, Hannover
1999 PERSONALI E AZIONI “Orchestra concert: the music of the 6 Day Play“ performed at the ORF Radiokulturhaus, Vienna; Hamburger Bahnhof, Museum der Gegenwart, Berlino; Kunst und Ausstellungshalle der BRD, Bonn “Exhibition of relics”, relic installations and videos of the “6 Tage Spiel” 1998 (6 Day Play), Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna; Kiscelli Museum, Budapest White Box Gallery, Philadelphia
1998 PERSONALI E AZIONI “The 6 Day Play of the Orgien Mysterien Theater”, Prinzendorf Palace, Prinzendorf
COLLETTIVE “Out of actions: between performance and the object, 1949-1979”, Moca, Los Angeles
1997 PERSONALI E AZIONI “40. Painting action”, Museum d. 20. jhdt.s, Vienna “Retrospective”, Konsthallen, Göteborg “Retrospective”, Musée d’Art et d’Histoire, Lussemburgo Neue Galerie, Linz Underwoodstreet Gallery, Londra Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, 20er Haus, Vienna Kunstraum, Innsbruck
COLLETTIVE “Die epoche der moderne” Kunst im 20. jhdt., Vienna; Martin Gropius Bau, Berlino “Body”, the Art Gallery of new south Wales; Sydney Institute of contemporary art, Londra
1996 PERSONALI E AZIONI “96. Action, 12 hours”, San Marino, Napoli “38. Painting Action”, Schömerhaus, Klosterneuburg Galleria Stefania Miscetti, Roma Museum Moderner Kunst Stiftung Wörlen, Passau Palazzo delle Esposizioni, Roma Kunstverein, Gmunden Retrospective, Sala Parpalló, Valencia Galleria Giuseppe Morra, Napoli “Retrospective”, Casal Solleric, Palma di Maiorca
COLLETTIVE “Artisti austriaci a Roma”, Palazzo Braschi, Roma “Malerei in österreich” 1945-95“, Künstlerhaus, Vienna “Mysterium wein”, Hstorisches Museum der pfalz, Speyer “Chaos wahnsinn”, Kunsthalle, Krems “L´art au corps”, Musée d´Art Contemporain, Marsiglia
1995 PERSONALI E AZIONI “Action and exhibition”, Trinitatiskirche, Köln Galerie Barlach, Amburgo “Retrospective”, Künstlerhaus, Vienna
COLLETTIVE Stedelijk museum, Amsterdam Kunsthalle, Budapest “L'art contemporain autrichien”, Rouen
1994 PERSONALI E AZIONI Raiffeisenhalle, Francoforte Kunsthalle, Krems Casina Vanvitelliana, Fusaro, Napoli Kärntner Landesmuseum, Klagenfurt Galerie Fred Jahn, Monaco
COLLETTIVE “Malfiguren”, Museum Moderner Kunst, Vienna “Hors limits”, Centre Georges Pompidou, Parigi “L´incanto e la trascendenza”, Castel Ivano, Trento “Il paese della meraviglie e le tavole della legge”, Castello di Volpaia (SI)
1993 PERSONALI E AZIONI “Rány a Mystéria”, National Gallery, Praga Neues Museum Weserburg, Brema Galerie Fred Jahn, Monaco Galerie Heike Curtze, Düsseldorf Galleria Cattellani, Modena
COLLETTIVE Akademie der Künste, Berlino
1992 PERSONALI E AZIONI “Retrospektive anlässlich der weltausstellung”, Pabellon de las Artes, Siviglia Galerie heike Curtze, Prinzendorf Galerie Ursula Krinzinger, Vienna Galerie Taddaeus Ropac, Parigi
COLLETTIVE “Casula”, Kunststation St. Petri, Köln
1991 PERSONALI E AZIONI Festspielhaus, Bregenz Traklhaus, Salisburgo Galleria civica d´Arte Contemporanea, Trento
COLLETTIVE Liljevalchs Konsthall, Stoccolma
1990 PERSONALI E AZIONI Gemeentemuseum, Den Haag “Aktionsmalereien”, Galerie Heike Curtze, Vienna Galerie Ottesen, Copenhagen Galerie AK, Francoforte Galerie Maeght Lelong, Zurigo Rupertinum, Salisburgo Galerie Beaumont, Lussemburgo
1989 PERSONALI E AZIONI Museum des 20. Jahrhunderts, Vienna Kunstverein, Salisburgo Luhring & Augustine, New York Galerie Donguy, Parigi 1988 PERSONALI E AZIONI David Nolan Gallery, New York Städtische Galerie im Lenbachhaus, Monaco
COLLETTIVE First major Retrospective Exhibition, Lenbachhaus, Monaco Museum des 20. Jahrhunderts, Vienna
1987 PERSONALI E AZIONI Villa Pignatelli, Napoli “20th painting action and exhibition”, Wiener Secession, Vienna
1986 PERSONALI E AZIONI Studio Morra, Napoli Piccolo Palazzo dell'arte, Merano Galerie Fred Jahn, Monaco Kurt Salchi, Berna
COLLETTIVE “Rennweg”, Sala Pablo Ruiz Picasso, Madrid “Dal profondo”, Padiglione d´arte Contemporanea, Milano “Beuys zu ehren”, Städtische Galerie im Lenbachhaus, Monaco
1985 PERSONALI E AZIONI Galerie Maeght Lelong, Zurigo
1984 PERSONALI E AZIONI Galerie Franz Paludetto, Torino “80th action lasting 72 hours”, Prinzendorf
1983 PERSONALI E AZIONI Van Abbe Museum, Eindhoven Galerie Fred Jahn, Monaco Neue Galerie, Linz
COLLETTIVE Der hang zum Gesamtkunstwerk, Museum mod. Kunst, Vienna
1982 PERSONALI E AZIONI Galerie Gadenstätter, Zell am See
COLLETTIVE Documenta VII, Kassel
1981 PERSONALI E AZIONI Galerie Pakesch, Vienna Kulturhaus, Graz
1979 PERSONALI E AZIONI Galerie Heike Curtze, Düsseldorf Galerie Petersen, Berlino
1978 PERSONALI E AZIONI “Retrospective 1960–77”, Modern Art Gallery, Vienna
1977 PERSONALI E AZIONI De Appel Gallery, Amsterdam
1976 PERSONALI E AZIONI Kunstverein, Kassel
1975 PERSONALI E AZIONI Ursula Krinzinger Gallery, Innsbruck Galerie Stadler, Parigi
1974 PERSONALI E AZIONI Studio Morra, Napoli Galerie Diagramma, Milano “The 24-hour 50th Aktion”, Prinzendorf
1973 PERSONALI E AZIONI Galerie Werner, Köln Galerie Klewan, Vienna
1972 COLLETTIVE Documenta V, Kassel
1970 PERSONALI E AZIONI “Aktionen”, New York
COLLETTIVE “Happening und Fluxus”, Kunstverein, Köln
1968 PERSONALI E AZIONI “Cinematheque”performance of his 25th and 26th actions, New York
1966 PERSONALI E AZIONI “Destruction in art symposium”, Londra
1964 PERSONALI E AZIONI Galerie Junge Generation, Vienna
1963 PERSONALI E AZIONI Galerie Dvorak, Vienna
1961 PERSONALI E AZIONI Galerie Fuch, Vienna
PRESENZE NELLE COLLEZIONI E NEI MUSEI DEL MONDO
Museum of Modern Art, New York Guggenheim Collection, New York Metropolitan Museum, New York Museum University of Yale, New Haven Gallery of Ontario, Toronto Tate Gallery, Londra Musée Centre George Pompidou, Parigi Stedelijk Van Abbe Museum, Eindhoven Castello di Rivoli, Torino Sammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf Museum Ludwig, Köln; Lenbachhaus, Monaco Nationalgalerie, Monaco Graphische sammlung, Monaco Staatsgalerie, Stoccarda Kunsthalle, Amburgo Museum Neue Galerie, Saarbrücken Schloss Moorsbroich, Leverkusen Museo Capodimonte, Napoli Kunstmuseum, Berna Kunst-Museum, Winterthur Museum Moderner Kunst-Stiftung Ludwig, Vienna Wolfgang Gurlitt Museum, Linz Rupertinum, Salisburgo Ferdinandeum, Innsbruck Sammlung Essl, Klosterneuburg Stedelijk Museum, Amsterdam Galleria d’Arte Moderna, Bologna Walker Art Center, Mineapolis Mart, Trento
Hermann Nitsch, Die farblehre des O.M.Theaters niederösterreichischen landesmusem, Residenz Verlag, St. Pölten 2007
Hermann Nitsch, Neue Arbeiten Galerie Weihergut, Salisburgo 2006
Hermann Nitsch, Aktionsmalerei 2005-2006, Galerie Heike Curtze, Berlino 2006
Hermann Nitsch, Orgien Mysterien Theater, Nationalgalerie im Martin Gropius-bau, Berlino 2006
H-acktivism: Hermann Nitsch, Primo Piano Livingallery, Lecce 2006
Hermann Nitsch, The Orgies Mysteries Theatre, Museum of Contemporary Art, Houston 2005
Hermann Nitsch, Paintings, Mike Weiss Gallery editions, Mike Weiss, New York 2004
Hermann Nitsch, Eine Retrospektive Sammlung Essl Privatstiftung Edition Sammlung Essl, Klosterneuburg, Vienna 2003
Hermann Nitsch, Das 6-tage-spiel in Prinzendorf 1998, Museum Moderner kunst, Stiftung Ludwig, Vienna 1999
Aktionsmalerei und relikte 1963-94 , Galerie Kalb, Vienna 1998
Hermann Nitsch, Neue galerie der Stadt Linz, Peter Baum, Linz 1997
Hermann Nitsch, Das O.M.Theater, Museum Moderner kunst, Stiftung Wörlen, Passau 1996
Hermann Nitsch, Das Orgien Mysterien Theater, Museum Moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Vienna 1996
La composizione testuale del teatro delle orge e dei misteri, Kärntner Landesgalerie u. Internationales Grafikzentrum Lubiana, Fondazione Morra editions, Napoli 1994
Hermann Nitsch, O.M.Theater Kärntner, Landesgalerie u. Internationales Grafikzentrum, Lubiana 1994
Nitsch/Schwarzkogler verwundungen und mysterien, National Gallery, Praga 1993
Hermann Nitsch, Pabellón de las artes, Siviglia 1992
Hermann Nitsch Passionen 1960-90, aktionsmalerei u. relikte, Ausstellungskatalog St.petri, Lubecca 1991
Hermann Nitsch, Galleria civica di arte contemporanea, Trento 1991
Asolo-raum 1973, Galerie krinzinger, Vienna 1990
Hermann Nitsch 1960-1987, Museo Pignatelli Cortes, Fondazione Morra, Napoli 1987
Die wortdichtung des O.M.Theaters Otto Breicha, Kulturhaus Graz, Prinzendorf 1982
Projekt Prinzendorf - das O.M.Theater von Hermann Nitsch Otto Breicha, Kulturhaus Graz, Graz 1981
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Hermann Nitsch, Wiener vorlesungen böhlau, Verlag 2005
Hermann Nitsch, Das sechstagespiel Otmar Rychlik, Hatje Cantz Verlag Ostfildern, Verlag 2003
Cuma. König ödipus, III. Band Verlag des O.M.Theaters, Prinzendorf 2001
Edipo re una teoria di rappresentazione del dramma 1964, Fondazione Morra, Napoli 2001
Partitur d. 6-tage-spiels 1., 2. u. 3. teil reibord, Vienna 1998
The fall of Jerusalem Malcolm Green, Atlas press, Londra 1997
Die wortdichtung des II feibord, Vienna 1996
Zur theorie des O.M.Theaters - Zweiter Versuch Residenzverlag, Salisburgo 1995
La composizione testuale del teatro delle orge e dei misteri, Fondazione Morra, Napoli 1994
Cuma, I. und II.band verlag des O.M. heaters, Prinzendorf 1994
Die architektur des O.M.Theaters band II fred jahn, Monaco 1993
Das O.M.Theaters manifeste, Vorträge, Aufsätze Residenzverlag, Salisburgo 1990
Das rote tuch - Der mensch das unappetitlichste vieh freibord, Vienna 1988
Das Orgien Mysterien theater, 80. aktion fred jahn, Monaco 1988
Cuma, III. Fest, Napoli 1988
Die architektur des O.M.Theaters band 1, Fred Jahn, Monaco 1987
König Ödipus - Eine spielbare theorie des dramas J.Knoblauch, Kalter Schweiss edizioni, Berlino 1986
Harmating - Ein fest, Fondazione Morra editions, Napoli 1986
Das O.M.Theater - partituren aller aufgeführten aktionen band 4, Freibord edizioni, Vienna 1984
Das O.M.Theater - 1960-1983, Eindhoven 1983
Das O.M.Theater - lesebuch freibord, Vienna 1983
Das O.M.Theater - die partitur des 1. tages und der 1. nacht des 6-tages-spieles o.m. theatres, Prinzendorf 1983
Behauptungen und beschreibungen zum projekt des O.M.Theaters (ordensregeln) altona-hohengebraching, Vienna 1981
Das O.M.Theater - partituren aller aufgeführten aktionen band 1, 2, Fondazione Morra, Napoli 1979-84
Die eroberung von jerusalem die drossel, Berlino 1977
Partitur zur 50. aktion günter brus die drossel, Berlino 1976
Frühe aktionen, Fondazione Morra, Napoli 1976
König ödipus. eine spielbare theorie des dramas, Fondazione Morra, Napoli 1976
1., 2., 3. und 5. abreaktionsspiel, urfassungen, polizeiberichte, Gerichtsakten, Fondazione Morra, Napoli 1976
Harmating - Ein fest sonderedition bd. 5 d. schastrommel, Günter Brus, Berlino 1972
Das O.M.Theaters, Märzverlag, Darmstadt 1969
Fonti secondarie
Nicht nur Farbe sondern auch Blut. Über Hermann Nitsch - Vierzehn Versuche aus achtzehn Jahren Wieland Schmied Bibliothek der Provinz, Heidenreichstein 2007
Winterreise. From Asolo to New York and vice Versa 1974, Archive Conz, Verona 2007
Nitsch, Der mensch hinter seinen aktionen fotografien von erika schmied residenz verlag, Salisburgo 2005
Hermann Nitsch, Das orgien mysterien theater. fotos früherer aktionen Otmar Rychlik, Kunstverein, Rosenheim 2005
Hermann Nitsch, leben und arbeit aufgezeichnet von Danielle Spera brandstätter verlag, Vienna, 2005
Hermann Nitsch, leben und arbeit aufgezeichnet von Danielle Spera brandstätter verlag, Vienna 1999
Balkon band 9/98, sondernummer zu Hermann Nitsch, das 6-tage-spiel in Prinzendorf 1998, Budapest 1998
Reizwort Nitsch vlg., Sonderzahl, Vienna 1995
Hermann Nitsch. Eine biographische skizze, Kunsthalle Krems, Krems 1994
Das bildnerische werk residenzverlag, Salisburgo 1989
Das früheste werk Otmar Rychlik, Sonderzahl, Vienna 1986
Georges Mathieu nasce il 27 gennaio 1921 a Boulogne-sur-Mer. Dopo aver ultimato gli studi di lettere, diritto e filosofia all’Università di Lille, insegna inglese al liceo di Douai e, in seguito, francese all'Università Americana di Biarritz. Il suo esordio artistico risale al 1942: dopo una breve parentesi da paesaggista e ritrattista, il suo interesse artistico si orienta verso una ricerca astratta ed espressionista che fa dell'automatismo fisico, dell'intuizione e dell'emozione il suo principio ispiratore. Espone per la prima volta nel 1946, al “Sesto salone dei minori di 30 anni”, alla Galerie des Beaux-Arts di Parigi, e nel 1950 tiene la sua prima mostra personale alla Galerie René Drouin. Nel 1947 Mathieu, insieme a Camille Bryen, si fa promotore di un nuovo movimento artistico non-figurative Psychique che propone, in netta opposizione all'astrazione geometrica in auge a Parigi, una nuova astrazione, gestuale e lirica, che si spoglia delle tradizioni e delle regole fino ad allora predominanti, per mettere in primo piano i fenomeni puramente pittorici. Su questi principi inizia ad organizzare mostre di Abstraction Lirique in cui presenta al pubblico francese ed europeo quella generazione di artisti che, di lì a poco, il critico Tapiè definirà con il termine Informale. In questi anni, tra le numerose esposizioni, organizza alla Galerie Montparnasse il primo confronto in Europa tra la pittura d'avanguardia americana e quella francese. Intanto le sue opere suscitano consensi internazionali e inizia ad essere esposto nelle gallerie newyorchesi e londinesi. Nei suoi primi dipinti che verranno definiti dalla critica Tachisti - da Tache (macchia) - per l'uso di grumi di colore (dapprima olio, quindi resine sintetiche) applicati sulla tela direttamente dal tubetto, particolare cura è dedicata alla preparazione del fondo, realizzato con colori molto diluiti, e alla composizione che, nonostante l'apparente disordine, si struttura quasi sempre a partire da un asse centrale, sviluppandosi poi per linee ortogonali e curve semicircolari spinte all'esterno da forze centrifughe. Le sue ricerche, che nel '49 vertevano sulla tematica del segno, si puntualizzano tra il '50 ed il '51 in connessione con la velocità e l'irruenza del gesto come presa immediata della realtà svincolata da qualsiasi intervento di tipo cognitivo e razionale. Da qui la scelta di trasformare le sue creazioni in eventi teatrali di pittura-azione durante i quali, in un tempo limitato e di fronte ad un pubblico selezionato, realizza tele di grandi dimensioni: nel 1956 presso il Théâtre Sarah Bernhardt, di fronte ad un pubblico di 2000 persone, utilizza ben 800 tubetti di colore per creare un dipinto di 4x12 m. Nel 1957 Mathieu, insieme al critico Michel Tapié, raggiunge il Giappone per conoscere il Gruppo Gutai. In occasione di questa visita si esibisce in kimono in una dimostrazione di action painting di fronte agli esponenti del gruppo giapponese e dipinge in soli tre giorni ben 21 opere, tra cui un affresco di 15 metri. Nella convinzione che l'artista debba intervenire in tutti gli aspetti della società, intorno al 1962, orienta la sua ricerca artistica verso nuove forme espressive: dalle sculture monumentali a mobili, piatti, gioielli, disegni per tappezzerie, manifesti, francobolli e monete. A questa attività artistica affianca quella teorico-critica con una serie di scritti e interventi nel mondo dell'architettura, dell'arredamento e della tipografia. Nel 1975 viene eletto membro dell'Accademia di Belle Arti di Parigi, mentre le edizioni Gallimard pubblicano l'insieme dei suoi scritti dal 1947 al 1971 con il titolo “Dalla Rivolta alla Rinascita”. Nel settembre del 1986 Mathieu presenta al padiglione internazionale della Biennale di Venezia il dipinto “Hommageau Connétable de Bourbon” nella sezione che evoca i rapporti tra arte e scienza. Principale interprete e promotore della corrente denominata Abstraction Lyrique, incentrata sul ruolo primario del libero gesto creatore, e del Tachisme, Mathieu non solo ha inaugurato una nuova estetica rivoluzionando la storia dell'arte del secondo dopoguerra, ma ha anche riportato l'attenzione su un'etica che coinvolge e rimette in discussione il ruolo dell'artista nella società contemporanea.
2008 COLLETTIVE “Pensieri Ordinati”, Bonioni Arte, Reggio Emilia “Estetika. Forma & segno. Da Renoir a De Chirico”, Villa Ponti, Fondazione Art Museo, Arona
2007 COLLETTIVE “Nel segno della materia”, Palazzo De Sanctis, Castellalto (TE) “Sei mostre in contemporanea”, Satura, Palazzo Stella, Genova “Liberi Segni”, Galleria Biasutti & Biasutti, Torino
2003 PERSONALI Galleria Credito Valtellinese, Milano
1999 COLLETTIVE “Posizioni. Museiondocumenta 1999: opera dalla collezione”, Bolzano 1991 PERSONALI Galleria arte 92, Milano
1990 PERSONALI Galleria d'arte Elleni, Bergamo Stockholm Art Fair, Stoccolma
1989 PERSONALI Galleria dello scudo, Verona Ermitage, San Pietroburgo Centro Culturale Sant'Andrea, Savona Galleria Art Valley, Forte dei Marmi Grand Palais, Parigi
1988 PERSONALI Galleria Narciso, Torino Galleria De Crescenzo, Roma Huber Gallery, Zurigo
1987 PERSONALI Findlay Gallery, New York Galleria La Loggia, Bologna Galleria De Crescenzo, Roma
1984 PERSONALI Hôtel Meridien, Singapore
1980 PERSONALI Art Basel, Basilea Musée de la Poste, Parigi
1979 PERSONALI Dominion Gallery, Montreal Wildestein, New York
1978 PERSONALI Grand Palais, Parigi Festival d'Art Lyrique, Aix-en-Provence
1977 PERSONALI Galeria Punto, Valencia Galeria Valera, Bilbao Kursaal, Ostenda Festival International, Istanbul
1976 PERSONALI Musée Picasso, Antibes Galeria Beaubourg, Barcellona
1974 PERSONALI Galerie Beaubourg, Parigi
1973 PERSONALI Opera, Berlino
1972 PERSONALI Art Center, Beirut
1971 PERSONALI Galerie Stadler, Parigi Lalikata Academy, Nuova Dehli
1967 PERSONALI Galerie Argos, Nantes Kustverein, Colonia Musée National d'Art Modern, Parigi
1966 PERSONALI Musée des Beaux-Arts, Nantes
1965 PERSONALI Gimpel & Hanover, Zurigo Court Gallery, Copenaghen K. B. Gallery, Oslo Galleria il Milione, Milano
1963 PERSONALI Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Parigi Galerie Art et Culture, Ginevra
1962 PERSONALI Bezalel Museum, Gerusalemme Neue Galerie in Künstler-haus, Monaco Galleria La Bussola, Torino Galleria l'Ariete, Milano Galleria La Loggia, Bologna Museum of Art, Tel Aviv
1961 PERSONALI Presidential Palace, Beirut
1960 PERSONALI Museu de Arte, São Paolo Ateneo, Madrid New London Gallery, Londra Galleria del Cavallino, Venezia
1959 PERSONALI Kunstverein, Colonia Galleria San Babila, Milano Haus Lange Museum, Krefeld Musée des Beaux-Arts, Neuchâtel Musée de l’Athénee, Ginevra Museum of Modern Art, Rio de Janeiro Bonino Gallery, Buenos Aires
1958 PERSONALI Schmela Gallery, Düsseldorf Art Latin Gallery. Stoccolma Galerie Grange, Lione Chichio Haller Gallery, Zurigo Kunstmuseum, Basilea Galleria Castelnuovo, Ascona Musée des Beaux-Arts, Liegi
1957 PERSONALI Palais des Beaux-Arts, Bruxelles Shirokiya Gallery, Tokyo Daimaru Gallery, Osaka Galleria del Naviglio, Milano Galerie Helios Art, Bruxelles Galleria Selecta, Roma
1956 PERSONALI Galerie Pierre, Parigi Institute of Contemporary Art, Londra
1955 PERSONALI Alexander Iolas Gallery, New York 1954 PERSONALI Kootz Gallery, New york Galerie Rive Droite, Parigi Art Club, Chicago
1953 PERSONALI Galerie Marcel Evrard, Lille
1952 PERSONALI Studio Paul Facchetti, Parigi Stable Gallery, New York
L. Harambourg, Georges Mathieu, Ides et Calendes 2002
Posizioni. Museiondocumenta 1999: opera dalla collezione, cat. mostra, Museion, Bolzano 1999
Georges Mathieu, cat. mostra, Galleria d'arte 92, Milano 1991
Georges Mathieu, cat. mostra, Elleni Galleria d'arte, Bergamo 1990
F. Mathey, Mathieu, Celiv, Hardcover 1989
Georges Mathieu: The art of lyrical abstraction, cat. mostra, Wally Findlay Gallery, 1986
A.A.V.V., Art Series - Magritte, Georges Mathieu, Courbet, Bonnard, Marcel Duchamp, Maillol, Henri Matisse, Van Dongen, Raoul Dufy, Gauguin, Crown Publisher, Hardcover 1978
D. Quignon-fleuret, Georges Mathieu, Crown Publishers, Hardcover 1977
M.R. Mioni, Georges Mathieu e la poetica del segno, Università degli Studi di Padova, Padova 1976-77
G. Mathieu, Au-dela du tachisme, Julliard, Parigi 1969
G. Mathieu, Georges Mathieu, cat. mostra, Paperback, Gimpel Fils Gallery; Gimpel & Hanover Galerie, 1968
G. Mathieu, Pour une désaliénation de l'art, 1961
G. Mathieu, tre articoli in inglese“Art International”, Zurigo, maggio 1960
F. Russoli, Catalogo della collettiva organizzato dall'Associazione delle arti Figurative, in “Notizie”, Torino, Marzo 1960 Karel Appel, Georges Mathieu, Mattia Moreni, Jean-Paul Riopelle, cat. mostra, Kunsthalle Basilea, Benno Schwabe & Co, 1959
J. Fitzsimmons, Preface to the Mathieu Exhibition, Kootz Gallery, New York 1957
M. Tapié, Mathieu paints a Picture, in “Art News”, febbraio 1955
J. Alvard, Mathieu, in “Cimaise”, novembre 1953
G. Mathieu, Déclaration aux peintres d'avant-garde américains, 1952
Conseguita la Laurea in Geologia presso l'Università di Bologna, passa all'Accademia di Belle Arti di Venezia, dove insegnano tre grandi protagonisti della pittura italiana quali Emilio Vedova, Giuseppe Santomaso e Virgilio Guidi. Dopo una breve esperienza nel campo del Concettuale negli anni '70 -durante la quale utilizza tracce di cera, fragole, fumo e bruciature su carta- inizia un'attentaricerca che lo porterà a sviluppare una pittura “in cui l'energia della luce ed il metamorfismo della materia si fondono per creare remoti paesaggi geologici”, come la descrisse il critico francesePierre Restany. Sulle tecniche dell'artista, Olivier Meessen, in occasione di una personale presso la Galleria del Naviglio di Milano nel 1988, scrive: “Alla creazione di questa pittura sedimentaria, concorrono i ripetuti interventi sulla tela, dove colori, oli e pigmenti vengono stesi in spessi strati, sovrapposti, sepolti e richiamati alla superficie in fasi molteplici (raschiature di spatole, abrasioni, asportazioni, livellamenti). La materia forma i corpi pesanti ed opachi che vengono ad animare i pigmenti colorati, iridescenti. Le linee che si intersecano formano intrecci e vie, interferenze, ponti, percorsi, canali, vicoli ciechi, miraggi”.
Contraddistintosi velocemente come artista di portata e spirito internazionale, già nel 1987 espone alla Samuel Lallouz Gallery di Montreal; neanche tre anni dopo espone in Svezia. Nel 2003 arriva addirittura a Muscat, nel sultanato dell'Oman. Un rapporto più profondo e duraturo si instaurerà poi con la Francia, dove l'artista espone in numerose occasioni, soprattutto negli ultimi anni. Della sua pittura si è occupato anche Achille Bonito Oliva, che ha curato una sua personale presso la Fondazione Mudima di Milano e che lo ha selezionato per partecipare alla collettiva I percorsi del sublimesvoltasi nel 1998 a Palermo.
In Reverie Geologique,testo di Restany, Lo Giudice viene definito come “un pittore tellurico per il suo legame con la natura organico e viscerale”e per la sua affezione “alla materia nella profondità della sua sostanza geologica”, e ancora “la sua unica ambizione, globale e senza limiti, è l'affermazione sempre ripetuta del connubio dell'essere con l'energia cosmica. Siamo nel cuore della creazione sull'eterno filo del rasoio della sensibilità, laddove l'emozione viene a nutrire lo spirito della materia [...] è come uscire dall'inquinamento della città per ritrovare la purezza della natura delle origini. Un viaggio senza passato né futuro nell'eterno presente della geologia trionfante dei nostri sentimenti.”
Viaggio che ha come tappe principali il rispetto della natura e la convivenza con essa, problematiche affrontate nella sua pittura, il rispetto dell'uomo e quindi -in linea con i primi artisti dell'area informale europea- il rifiuto per la guerra e la sua barbarie, come nel caso dell'attività scultorea, anche se, come afferma l'artista «si tratta di una continuazione: non ho abbandonato la pittura, ho voluto ampliarla sperimentando nuovi materiali come la ceramica».
Dal 1989, infatti, Lo Giudice porta avanti una ricerca molto personale tramite la creazione dei suoi Totem: materassi squarciati, svuotati, ustionati e successivamente dipinti con strati di colore (pigmenti e smalti) abbondanti e monocromatici; Queste opere simboleggiano l'orrore della guerra, a parziale ricordo di un'immagine televisiva riguardante l'erroneo bombardamento di un'abitazione civile durante la prima Guerra del Golfo: macerie, corpi dilaniati ed oggetti d'uso quotidiano quali, per l'appunto, materassi bruciati.
Nati dalla testimonianza di questi avvenimenti, i Totemsi pongono come emblema di tali violenze e al contempo recuperano la loro primigenia funzione “religiosa” di mezzo di esorcismo e protezione.
Questa tipologia di opera dal 2000si arricchisce ed evolve, incorporando una serie di farfalle realizzate in ceramica di Albisola: “la bellezza che si posa sulla violenza e sulla guerra.” Infatti, se durante il percorso creativo che porta ai TotemLo Giudice si avventa sui materassi, sventrandoli, bruciandoli ed infine riempendoli di materia, per quanto concerne le opere denominate Dalla Primavera del Botticelli questi oggetti del nostro quotidianosubiscono un differente trattamento: le Primaverepartono dalla sola rete del materasso, come se si trattasse di una raggiunta consapevolezza di ciò che è stato, una base su cui ripartire, ripulita dalla negatività, finendo per ospitare miriadi di farfalle colorate: un simbolo universalmente riconosciuto come emblematico della primavera, della rinascita, dell'evoluzione.
Così si rinnova l'esperienza di un'arte che non esplica solamente una funzione estetica e trascendentale, ma che rimane permeata dello spirito “terrestre” e concreto da cui prende vita, per meglio assolvere al suo compito di medium culturale tra artista e pubblico, tra la storia e la sua interpretazione, tra il sogno e la speranza.
1990 Gallery Bennetter, Stockolm (SWE); Galleria Campanile, Bari
1991 Gallery Axelsson, Goteborg (SWE)
1995 Galleria del Naviglio, Milano - Galeria Diagonal Art, Barcellona (ESP) - Galleria Navigliovenezia, Venezia
1996 Galleria del Naviglio, Milan - Art Cologne, Colonia (GER)
1997 Galleria Ferrero, Nizza
1998 Galleria Mudima Due, Milano
2000 Fondazione Mudima, Milano
2002 Galerie Pascal Retelet, Saint Paul de Vence (FRA)
2003 Royal Fine Arts Society, Muscat, Sultanato dell'Oman (OMA)- Galerie Seine 51, Pargi (FRA)
2004 Palazzo delle Stelline, Milano
2006 MIART (Fiera Internazionale) MIlano
2007 Galerie Art Messe, Zurigo (CH) - Arte in fiore, Noto - Pages, BadenBaden (GER)
2008 Villa Bellini, Somma Lombardo, Milano - Artcurial, Pargi (FRA)- International Scutlure, Cannes (FRA) - "Primavera del Botticelli" all'Aeroporto Internazionale di Trieste
2009 MIddle East-Arte Europea, Biennale di Venezia - Totem Sculture, La Croisette, Cannes (FRA)
2010 Totem Sculture, Jardins de Boulegrins, Montecarlo (MON)
Art promotion is one of the man activities where you really have be keen, in search for new lines, new paths, where others will hardly
follow you. Into this everlasting search lies marked the difference between promoting - as being active part of a movement and being moved
by a strong and urgent desire - and trading.
What we do at ABC always starts from the Art, from the will to preserve the mystique dimension it always have had. What you will find
here is our vision, our beliefs, our main expectation about the promises of the future and the values of the past of modern and contemporary art.
Our selection is at the same time a description of the journey we're going to face and the beginning of the journey itself: we're open
in finding people on the way, sharing with them our experience and our life, untill we reach your destination.
Afro Basaldella è fra i massimi esponenti dell'astrattismo italiano. Dopo gli studi a Venezia e Firenze, frequenta nel 1932 a Milano, col fratello Mirko, lo studio di Arturo Martini. Dal 1934 si stabilisce a Roma, dove con Cagli partecipa alle vicende del tonalismo romano, che interpreta con accenti di colorismo veneto. La nuova ricerca di sintesi lineare sfocia dal 1947 nell'astrattismo: Afro è uno dei protagonisti del Fronte Nuovo delle Arti e in seguito del Gruppo degli Otto. Accentua una gestualità larga, di evocazione lirica, sostenuta dalla conoscenza dell'Action Painting americana (Gorky in particolare), con cui è venuto in contatto nel 1950, durante un soggiorno negli Stati Uniti. Ma la sua è una linea "italiana", intrisa di luce, attenta a larghi accordi di ritmo, che s'imporrà a livello internazionale. Negli anni della seconda guerra mondiale, nel clima di tensione e di rinnovamento, le sue superfici tendono a frantumarsi in una sorta di impressionismo della memoria. E' il preludio della svolta, che matura nel dopoguerra con l'irruzione in Italia delle esperienze postcubiste. Nel 1959-60 il suo lavoro acquista fama internazionale: Afro viene invitato al Documenta II in Kassel e vince il primo premio alla Carnegie Triennial di Pittsburgh e il premio Italia al Solomon R. Guggenheim Museum di New York. Dopo la morte del fratello Mirko, nel 1969, Afro inizia a soffrire di gravi problemi di salute, che lo accompagneranno fino alla morte, avvenuta a Zurigo nel 1976. Nel novembre del 1997 il Catalogue Raisonné di Afro è stato presentato all’Accademia American a Roma e l'anno successivo alla Fondazione Guggenheim di Venezia.
Dopo aver trascorso l'infanzia a Settignano, si traferisce con la famiglia a Milano, nel 1909 dove ha modo di venire a contatto con i gruppi futuristi. Nel 1915 decide di arruolarsi volontario e chiede di essere invitato al fronte. Tornando a Milano, viene assunto dal "Corriere della Sera" che nel 1919 lo invia a Parigi come suo corrispondente. Nel 1926, partecipa alla prima Mostra del Novecento Italiano a Milano. Nel 1927 si dedica completamente alla pittura. La sua pittura giunge in questi anni a una svolta, che riguarda non tanto la composizione quanto piuttosto la tecnica utilizzata, che tende sempre più a imitare l'affresco. Nel 1928 è invitato alla XVI Biennale di Venezia dove espone tredici opere. Nel 1929, dopo aver partecipato, in febbraio, alla I Mostra del Novecento Italiano presenta a Parigi, alla Galleria Jeanne Bucher, la sua prima personale. Nel 1933 firma con Sironi, Funi e Carrà il Manifesto della pittura murale e avvia un'intensa attività di freschista a partire dalla decorazione del Palazzo dell'Arte per la V Triennale (a cui collabora insieme a Sironi, Funi e de Chirico). Nel 1946 ha luogo la sua mostra personale allo Stedelijk Museum di Amsterdam. Dal 1949 alterna la residenza a Milano a lunghi soggiorni a Saint-Tropez. Viene nominato Accademico Nazionale di San Luca e membro della Reale Accademia Fiamminga di Bruxelles.
Compositore ed artista concettuale, Giuseppe Chiari, nasce a Firenze il 26 settembre 1926. Parallelamente agli studi universitari in matematica e in ingegneria (1946-51), si dedica alla musica studiando pianoforte e composizione. Attratto in particolare dalle esperienze di J. Cage, Chiari inizia ad interessarsi a ricerche sperimentali di musica visiva promuovendo nel 1961, con Grossi, l'associazione Vita musicale contemporanea. Importanti per lo sviluppo artistico di Chiari sono, nei primi anni Sessanta, l'incontro con Sylvano Bussotti, il confronto con le ricerche di poesia concreta del Gruppo 70, ed, infine, i contatti con gli esponenti newyorkesi del movimento internazionale Fluxus, al quale l'artista aderisce partecipando nel 1962 al Fluxus internationale Festspiele neuester Musik di Wiesbaden. Oltre che nell'ambito di significative rassegne collettive, da Documenta V di Kassel (1972) alla Biennale di Venezia (1972; 1976; 1978) a quella di Sidney (1990), Chiari sviluppa il suo complesso percorso artistico attraverso numerosi concerti e performances in Europa e negli Stati Uniti. Sostenitore dell'interazione tra musica, linguaggio, gesto e immagine, Chiari elabora azioni che si ricollegano alle esperienze neo dadaiste e concettuali: brevi brani confluiscono senza un ordine prestabilito in complesse pièces musicali, tese a esaltare la libertà espressiva e il concetto di indeterminazione del fare artistico. Chiari compone infatti musica d'azione, basata su un complesso metodo di esecuzione che, accanto agli strumenti tradizionali, assume come componenti essenziali elementi sonori casuali o aleatori (acqua, foglie secche, sassi) che offrono lo spunto per rielaborazioni che trovano proprio nella casualità e nell'improvvisazione la costante essenza della sua ricerca (“Gesti su un piano”, 1962; “La Strada”, 1965; “Suonare la città”, 1965). Dalle prime partiture, in cui i segni delle note o le rappresentazioni grafiche dei gesti assumono un'evidenza visiva, Chiari giunge a sperimentare mezzi espressivi diversi: dai collages a soluzioni pittorico-gestuali elaborate con segni, scritte e timbrature su pentagrammi, spartiti, fotografie, che trovano negli anni Ottanta piena e matura espressione. La sua opera grafica e pittorica è in parte conservata presso il Centro internazionale di Arte Contemporanea di Firenze. Muore il 10 Maggio del 2007.
Dalì segue i primi studi nella città natale, Figueres, ed espone dipinti già all'età di 14 anni riscuotendo un notevole successo presso la critica. Nel 1921 si iscrive all'Accademia di Belle Arti di Madrid, dove conosce altri grandi artisti della sua epoca, quali il regista Luis Bunuel e il poeta Federico Garcia Lorca. Tra il 1924 e il 1925 realizza numerosi ritratti della sorella, esplorando diversi stili; nel 1926, a Parigi, conosce Pablo Picasso. In questo periodo la sua pittura è fortemente influenzata da cubismo e surrealismo, in particolare dalla tecnica di Giorgio De Chirico. Negli anni successivi produce lavori di scenografia teatrale e cinematografica e sul piano pittorico la sua produzione viene influenzata dalle opere di Ernst, Mirò e Tanguy, e dalla trasposizione dell'inconscio sulla tela. Nel 1930 pubblica la “Femme visible”, un saggio dedicato a sua moglie Gala, modella e musa per tutta la sua vita. Il libro segna una nuova fase nella pittura di Dalì, che si tinge di toni macabri e tratti deformanti. Partecipa all'Esposizione Internazionale dei surrealisti a Parigi e ad Amsterdam. Nel 1940 si trasferisce negli Stati Uniti ed espone al MOMA di New York insieme a Mirò. Continua la sua collaborazione con registi cinematografici, quali Hitchcock e Visconti. Negli anni successivi espone a New York, Parigi, Londra, Madrid, Barcellona. Nel 1974 inaugura il Teatro-Museo Dalì a Figueres e nel 1979 viene organizzata una sua retrospettiva al Centre Pompidou di Parigi, poi trasferita alla Tate Gallery di Londra. Dopo la morte di Gala, nel 1982, Dalì si trasferisce a Pubol, e riceve dal Re Juan Carlos I il titolo di marchese. Muore nel 1989; nel suo testamento lascia alla Stato Spagnolo tutte le opere di sua proprietà.
Giorgio De Chirico nasce il 10 luglio 1888 a Volos, capitale della Tessaglia (Grecia), da Evaristo, ingegnere, e da Gemma Cervetto, nobildonna di origini genovesi. Due anni dopo ad Atene nasce il fratello Andrea, che per la sua attività di scrittore e musicista adotterà lo pseudonimo di Alberto Savinio. In questi anni Giorgio, assecondato dal padre nella passione per l'arte, prende le prime lezioni di disegno dal pittore greco Mavrudis. Proprio ad Atene De Chirico realizza il suo primo quadro dal titolo "Natura morta con limoni". Nel 1906, a seguito della morte del padre, la famiglia De Chirico si trasferisce in Germania, dove Giorgio frequenta l'Accademia di Belle Arti ed entra in contatto con la cultura artistica, letteraria e filosofica tedesca. Legge Schopenauer, Nietzsche e Weininger, approfondisce lo studio della pittura antica e studia l'arte di Arnold Böcklin. Nel 1908 rientra in Italia raggiungendo la famiglia; nel 1910 si trasferisce a Firenze e subisce l'influenza di Giotto e della pittura primitiva toscana, indirizzandosi verso una pittura ricca di impianti prospettici e di costruzioni a forma di arcate. Nell'estate del 1911 si trasferisce a Parigi dove ha inizio la sua vera carriera artistica, a contatto con gli ambienti dell'avanguardia artistico-culturale francese ed in seguito con il poeta Guillaume Apollinaire. Nello stesso anno, grazie all'interessamento del fratello, viene presentato a Pierre Laprade, membro della giuria del Salon d'Automne, per il quale espone tre opere: "Enigma dell'Oracolo", "Enigma di un pomeriggio" e "Autoritratto". In occasione dell'esposizione, nel 1913, di altre tre sue opere al Salon des Indépendants a Parigi viene notato da Pablo Picasso e Guillaume Apollinaire, grazie ai quali De Chirico stringe amicizia con Brancusi, Braque, Jacob, Soffici, Léger e Derain. Nell'autunno di quello stesso anno Apollinaire organizza nell'atelier dell'artista una mostra di trenta opere e recensisce De Chirico su "L' intransigeant" utilizzando il termine "metafisico". Riviste e giornali pubblicano le sue opere ed elogiano le sue qualità creative. Scoppia la Prima Guerra Mondiale e i due fratelli De Chirico rientrano in Italia, dove continua comunque a mantenere stretti rapporti con l'ambiente parigino ed entra in contatto con il movimento Dada. Nel 1916 dipinge i suoi celebri "Ettore e Andromaca" e "Le Muse inquietanti" e frequenta l'ambiente artistico di Ferrara: conosce Filippo De Pisis ed inizia una corrispondenza con Carrà, che incontrerà durante un ricovero in ospedale militare. Carrà rimane affascinato dal mondo poetico e dai temi artistici di De Chirico, dipingendo una serie di opere di chiara matrice metafisica. Nasce la "pittura metafisica", teorizzata di li a poco sulla rivista "Valori Plastici". Nel 1918 De Chirico ottiene il trasferimento a Roma. Qui collabora alla suddetta rivista ed espone nelle sale del giornale "Epoca" insieme a Prampolini, Carrà, Soffici. Nel 1919 presenta la sua prima mostra personale alla Galleria d'Arte di Anton Giulio Bragaglia e pubblica lo scritto "Noi metafisici". Da questo momento in poi inizia per De Chirico un periodo ricco di esposizioni in tutta Europa, in particolare in Francia, ed un discreto interesse per le sue opere nasce anche negli Stati Uniti. La pittura di De Chirico viene apprezzata da tutti i massimi artisti dadaisti e surrealisti ma anche dagli artisti tedeschi del "Realismo Magico", quelli del "Bauhaus" e della "Nuova Oggettività". Nel 1925 sposa la ballerina russa Raissa Gurievich Kroll. Nel 1928 tiene la sua prima personale a New York presso la Valentine Gallery, poco dopo espone a Londra. Pubblica il romanzo "Hebdòmeros" nel 1929. Continua ad esporre nelle più importanti gallerie d'arte sia in Europa che in America, ed incontra Isabella Far, che diventerà nel 1952 la sua seconda moglie. Pochi mesi dopo il suo novantesimo compleanno, il 20 novembre 1978, Giorgio De Chirico muore a Roma. Le sue spoglie sono conservate nella Chiesa Monumentale di San Francesco a Ripa, a Roma.
Karel Appel è uno degli autori più importanti della scena artistica olandese ed europea del dopoguerra. Già studente della Rijksakademie di Amsterdam, si interessa alla pittura francese moderna e successivamente ricerca nuove modalità espressive. Fonda nel 1948 con Costant e Corbeille il gruppo “Reflex” e sempre in quell'anno da vita al movimento CoBrA (1948-51) con Costant, Corbeille e Asger Jorn e Pierre Alechinsky; con esso propone un espressionismo in chiave informale e ironica raccogliendo artisti provenienti da Copenhagen, Bruxelles e Amsterdam e affermando con esso una valida alternativa alle correnti razionaliste. Appel è sicuramente ricordato come protagonista di un'arte basata sul colore. Proprio come farebbero dei bambini, il maestro esprime la propria sensibilità attraverso pennellate spesse e pastose, in cui predominano i colori primari arginati dalla presenza incombente del nero. Nel 1954 si trasferisce ad Albissola (Savona) decidendo di approfondire la sua capacità creativa nella scultura affinando la tecnica della ceramica. Seppure le sue opere appaiono come figure antropomorfe simili a grotteschi pupazzi, rozze teste, forme dalle sembianze animali, in realtà il soggetto di fondo è chiaro all'osservatore da subito facendo ricorso all'istinto, allo stesso istinto da cui l'artista si lascia trasportare. La carica aspra e aggressiva delle opere degli anni '50 si attenua a partire dalla seconda metà degli anni '60 e per tutti gli anni '70. L'artista non rimescola il colore sulla tela come faceva in precedenza e rinuncia gradualmente al nero. La stesura si fa più morbida e le immagini diventano più chiare e nitide. Non c'è più la lotta del passato, ma la ricerca dello spazio. Allo stesso tempo l'interesse si apre anche alla scultura. Appel adotta nuovi materiali anche per le sue sculture, come il poliestere policromo, il legno dipinto e i fogli d'alluminio. Le opere di Appel registrano un ritorno alla pittura dura e aggressiva negli anni '80 ed, uniformandosi ad alcuni neoespressionisti, amplifica le dimensioni dei quadri. Ricarica i pennelli con i colori di un tempo e li scarica sulla tela seguendo però un piano preordinato. Il 5 maggio 2006 all'età di 85 anni muore a Zurigo, dove risiedeva da tempo.
Hans Hartung nasce a Leipzig nel 1904. A vent'anni inizia i suoi studi di filosofia presso l'università di Leipzig ma presto si trasferisce alla Akademie der Bildenden Künste e poi a Dresden. Nel 1928 continua la sua crescita cognitiva nell'arte con il pittore Max Doerner a Monaco. In questo periodo appare evidente nelle sue opere la spontaneità e la linea imprecisa nella composizione, guidata dall'ispirazione del cambiamento e dall'analisi della tensione tra le aree di colore e le linee. Nel 1932 si sposta a Parigi dove incontra Kandisky, Mondrian, Miró e Calder e espone le sue opere al 'Salon des Surindépendants'. All'inizio della guerra Hartung si arruola nella Legione Straniera e nel 1945 ritorna a Parigi con gravi ferite, diventando pochi mesi dopo cittadino Francese. La sua Opera in questo periodo è caratterizzata da gruppi di calligrafiche linee sovrapposte a aree di colore pensili. Dopo il 1949 Hartung partecipa a importanti esposizioni a Parigi, Brussel, Munich, Basilea e tra il 1955 e il 1964 frequentemente mostra le sue opere al Documenta in Kassel. Nel 1956 e stato onorato con il Prix Guggenheim e gli viene riconosciuto la status di socio onorario della Akademie der Künste di Berlino. Nel 1960 è premiato con il Great International Prize for Painting alla Biennale in Venezia. Durante gli anni '60 Hartung inizia a dipingere aree monocromatiche di colore nelle quali incidono filari di scanalature parallele, introducendo così nelle opere non solo elementi calligrafici ma anche tridimensionali. Nel 1976 Hartung pubblica le sue memorie, intitolate “Autoritratto”; un anno dopo diviene membro della Accademia delle Belle Arti di Parigi e nel 1981 gli viene riconosciuto l'Oskar-Kokoschka-Prize della Repubblica Austriaca. Nel 1989 muore ad Antibes. Ancora oggi viene ricordato come uno dei più famosi e importanti pittori dell'informale europeo.
Léger nasce il 4 febbraio 1881 ad Argentan, in Francia. Inizia la sua carriera lavorando per due anni come apprendista in uno studio di architettura a Caen. Nel 1900 si trasferisce a Parigi: dopo due anni viene ammesso alla “École des Beaux-Arts” e frequenta anche l'Accademia Julian. All'inizio del 1910 è già espositore e membro del Salon des Indépendants. La maggior parte delle sue prime opere sono di connotazione cubista: con il suo compatriota Georges Braque ed il pittore spagnolo Pablo Picasso, Léger ha svolto un ruolo importante nello sviluppo e nella diffusione del Cubismo. Le opere successive sono influenzate dall'esperienza della Prima Guerra Mondiale (1914-1918). L'artista incomincia ad usare molti simboli del mondo industriale, tentando di descrivere oggetti e persone conferendogli connotati simili all'inanimato delle macchine. Il lavoro di Léger influenza i movimenti del neoplasticismo nei Paesi Bassi e del costruttivismo nell'Unione Sovietica. Egli si applica, con successo, nella pittura del vetro, nella scultura e nella creazione di mosaici, ceramiche e arazzi. Nelle opere tarde la semplificazione delle forme giunge alle sue estreme conseguenze: esse perdono ogni riferimento con la realtà esterna e si trasformano in spazi uniformemente colorati e illuminati da una luce piena. La sua arte non è una creazione spontanea o un'intuizione improvvisa; Léger parte da una serie di disegni e progetti ed elabora delle varianti, prima di approdare alla versione definitiva. Dal 1940 al 1945 insegna a Yale e al Mills College in California: i suoi quadri sono ora dominati da motivi post-cubisti, uniti alla chiarezza rappresentativa del Realismo. Léger muore a Gof-sur-Yvette, vicino a Parigi, il 17 agosto 1955.
Marco Lodola è nato a Dorno (PV) nell'aprile del 1955. Frequenta l'Accademia di Belle Arti di Firenze e di Milano, e conclude gli studi discutendo una tesi sui Fauves, che con Matisse saranno un punto di riferimento per il suo lavoro, come anche Fortunato Depero e Beato Angelico. Agli inizi degli anni '80 ha fondato con un gruppo di artisti il movimento del Nuovo Futurismo, di cui il critico Renato Barilli è stato il principale teorico. Ha esposto in grandi città quali Roma, Milano, Firenze, Bologna, Genova, Lione, Vienna, Madrid, Barcellona, Parigi, Amsterdam, Montecarlo, San Paolo del Brasile, Venezia, Città del Messico, Rio de Janeiro, Torino, Boca Raton, Miami, New York, Palermo, Udine, Bruxelles, Pechino. Sue opere sono tuttora collocate nelle maggiori piazze cittadine.
Ha partecipato ad esposizioni e a progetti per importanti realtà industriali quali Swatch, Coca Cola, Vini Ferrari, Titan, Grafoplast, Dash, Harley Davidson, Ducati, Riva, Illy, Francis-Francis, Carlsberg, Valentino, Coveri, Fabbri, I Mirabili, Shenker e Seat.
Diverse le sue collaborazioni con scrittori contemporanei tra cui Aldo Busi, Marco Lodoli, Giuseppe Pulina, Claudio Apone, Tiziano Scarpa, e Giuseppe Cederna, e con i musicisti: gli 883 di Max Pezzali, Renzo Arbore, Timoria, Jovannotti, Andy (Bluvertigo) e Syria.
Artista italiano conosciuto per il suo astrattismo caldo, fatto di forme che risultano all'occhio dell'osservatore quasi irregolari e irrisolte dal suo sguardo. Nel 1946 fonda, insieme a Dorazio, Guerrini, Vespignani, Buratti, Muccini, Maffioletti e Perilli il Gruppo Arte Sociale (GAS). Nel 1947 partecipa alla redazione del manifesto Forma 1 della rivista omonima, ed espone alla mostra del gruppo, organizzata nella galleria Art Club. Nel 1948 collabora con Sottsass jr. all'organizzazione della prima mostra di arte astratta in Italia presso la Galleria di Roma. Nel 1950 fonda con Dorazio e Guerrini la Libreria-Galleria “Age d'Or”, di cui viene pubblicato il primo quaderno tecnico-informativo d'arte contemporanea. Age d'Or e Art Club organizzano la mostra di arte astratta e concreta in Italia (la prima rassegna completa dell'astrattismo italiano) presso la Galleria Nazionale di Arte Moderna. Nel 1957 espone ad una personale presso la Galleria La Tartaruga e nel 1962 ha una sala personale alla Biennale di Venezia. Nel 1963 espone presso la Galleria Bonino a New York. Negli anni successivi espone a Praga, Roma, Amsterdam, Francoforte, Chicago e Tokio. Vengono allestite due retrospettive dell'artista: la prima al Palazzo dei Congressi della Repubblica di San Marino, con il titolo “Achille Perilli, continuum 1947-1982”, la seconda al Paris Center di Parigi, con il titolo “Achille Perilli. L'irrazionale geometrico”. Negli anni 90 il linguaggio di Perilli si concentra sempre di più su un cromatismo acceso e brillante. Le forme si sviluppano bidimensionalmente, estendendosi nello spazio della tela e creando strutture eleganti e dinamiche.
Robert Rauschenberg (Port Arthur, 22 ottobre 1925 – Captiva Island, 12 maggio 2008), fotografo e pittore statunitense, è vicino alla pop art senza però mai aderirvi realmente, innescando invece una inedita corrispondenza con l'espressionismo astratto. Rauschenberg esplora il proprio mondo artistico non limitandosi alla sola pittura. All'interno delle sue composizioni introduce elementi materici, oggetti, addirittura animali impagliati, operando una fusione fra questi e la pittura, alla quale non rinuncia mai. Il nome che l'artista da alla sua personale unione fra oggetti, cose materiali, quotidiane e pittura è combine-paintings, ossia pitture combinate. Le opere di Rauschenberg hanno una loro unicità, determinata dal modo in cui l'artista sceglie e accosta gli elementi nei collages, nonché da quegli aspetti che le distinguono dalla più fredda Pop art. Rauschenberg è sempre indipendente da qualsiasi gruppo o corrente del dopoguerra, anche se fu a volte considerato, insieme a Jasper Johns il fondatore della Pop art. Agli inizi degli anni '60 inizia a sperimentare i disegni e i dipinti con il transfer. Nel 1962 va a trovare Andy Warhol nel suo studio e conosce il metodo serigrafico applicato alla pittura, che inizia presto a sperimentare nelle sue opere abbinandolo all'inserimento di pittura, collage e altri oggetti. L'uso di un mezzo di riproduzione commerciale dell'immagine come la serigrafia e la forte presenza di immagini tratte dalla stampa inducono i critici di allora ad identificare Rauschenberg con la Pop art, apparsa in quegli anni sulla scena newyorkese. I dipinti e le fotografie di Rauschenberg possiedono infatti una qualità espressiva che si manifesta nelle riproduzioni volutamente esibite del processo di riproduzione (il registro serigrafico). Una delle sue prime opere è “Letto” (1955), dove l'artista porta all'interno dell'installazione un letto reale, nelle sue naturali dimensioni, intervenendo però su di esso con il colore, sporcandolo con scolature, macchie, mescolanze, che resero l'oggetto vissuto, in una maniera straordinariamente eloquente. Giunge in Europa nel 1964. Presentare oggetti d'uso quotidiano o rottami come opere d'arte, o come elementi di una composizione, non è una novità assoluta: lo hanno già fatto i dadaisti fin dal primo dopoguerra. Allora, senza più alcun intento dissacrante o polemico, si vuole semplicemente constatare la realtà d'ogni giorno: quella degli oggetti prodotti in serie, della segnaletica stradale, dei cartelloni pubblicitari e degli altri mass media. La sua prima personale, tenuta alla Betty Parson's Gallery di New York, è del 1951. Nel 1958 Rauschenberg inizia a realizzare i primi disegni con immagini trasferite da riviste o giornali: con tale tecnica illustrò l'“Inferno” di Dante, inserendo così il poema in un contesto contemporaneo. Nel 1964 partecipò alla Biennale di Venezia, in occasione della quale vinse il Gran Premio per la Pittura. Negli anni seguenti, Rauschenberg espone non solo nella maggiori città americane, ma anche in Italia, Francia,Inghilterra,Germania,Olanda,Svizzera,Spagna. Nel 1997 il Guggenheim Museum di New York presenta la retrospettiva più importante dedicata all'artista. Da allora Rauschenberg continua a creare arte, portando avanti vecchie serie, ma anche realizzandone di nuove. Rauschenberg si propone di riempire il vuoto esistente tra l'arte e la vita. Vive e lavora a New York ed a Captiva Island, in Florida dove muore il 12 maggio 2008.
Emilio Scanavino nasce nel 1922 a Genova. Nel 1938 si iscrive al Liceo Artistico Nicolò Barabino di Genova, dove conosce il professor Mario Calonghi, figura di grande stimolo culturale per la sua prima formazione. Nel 1942 presenta la sua prima mostra personale presso il Salone Romano di Genova. Nello stesso anno si iscrive alla Facoltà di Architettura dell’Università di Milano. Deve abbandonare gli studi per seguire l'esercito, che, però, diserta nel Settembre '43. Si rifugia sulle montagne liguri. Nel 1946 si sposa con Giorgina Graglia. Nel 1947 Scanavino si reca per la prima volta a Parigi dove soggiorna per qualche tempo e ha modo di incontrare poeti e artisti come Edouard Jaguer, Wols, Camille Bryen. L'esperienza parigina si rivela fondamentale nel suo percorso stilistico, in particolare per gli echi del postcubismo che assimila e interpreta in chiave personale fin dal 1948, quando espone alla Galleria Isola di Genova. Nel 1949 nasce il primo dei due figli. Nel 1950 espone alla 25a Biennale di Venezia. Nel 1951, in occasione di una mostra personale alla Apollinaire Gallery, vive per qualche tempo a Londra, dove conosce e frequenta Philip Martin, Eduardo Paolozzi, Graham Sutherland, Francis Bacon. Nello stesso anno apre il suo primo studio a Milano in una mansarda di Foro Bonaparte. Il critico Guido Ballo e i galleristi Guido Le Noci e Arturo Schwarz si occupano del suo lavoro. Nel 1952 lavora anche nella fabbrica di Ceramiche Mazzotti ad Albissola Marina, dove incontra numerosi artisti e stringe amicizia con alcuni di loro, tra cui Lucio Fontana, Asger Jorn, Guillame Corneille, Sebastian Matta, Wifredo Lam, Giuseppe Capogrossi, Enrico Baj, Sergio Dangelo, Roberto Crippa, Gianni Dova, Agenore Fabbri, Aligi Sassu e altri. Lo stesso anno nasce la seconda figlia Paola. Nel 1954 espone alla 27a Biennale di Venezia e l'anno dopo riceve il Premio Graziano mentre, nel 1958 vince il Premio Lissone e partecipa con una sala alla Biennale di Venezia, ottenendo il Premio Prampolini. Nello stesso anno firma un contratto con la Galleria del Naviglio diretta dal grande gallerista Carlo Cardazzo con il quale intrattiene un importante rapporto di amicizia e di lavoro. Si trasferisce con la famiglia a Milano. Molti critici tra cui Enrico Crispolti, Guido Ballo, Giampiero Giani, Edouard Jaguer, Gillo Dorfles, Roberto Sanesi, Franco Russoli e Alain Jouffroy si occupano della sua opera. Nel 1960 vince il Premio Spoleto, il Premio Sassari, il Premio Valsesia e il Premio Lignano e venne invitato con sala personale alla 30th Biennale di Venezia. Nel 1962 acquistò una vecchia casa a Calice Ligure, e la trasforma in atelier. A Milano conosce il collezionista Gianni Malabarba, con il quale in seguito ha un intenso rapporto di amicizia. Nel 1963 riceve il Premio La Spezia proprio mentre Carlo Cardazzo, che per sette anni ha sostenuto Scanavino con l'impegno di un amico, moriva improvvisamente: questo lutto colpisce profondamente il pittore. Renato Cardazzo prosegue il lavoro del fratello come mercante d'arte e contribuisce ad allargare la fama di Scanavino in Italia e all'estero. Nel 1966, alla 33th Biennale di Venezia, dove espone nuovamente in una sala personale, vince il Premio Pinin Farina. Nel 1968 trasferisce il suo studio a Calice Ligure. In questa località si stabiliscono numerosi artisti che costruiscono attorno a Scanavino una piccola comunità. Nel 1970 riceve il Gran Premio alla Biennale di Mentone. Il collezionista Franco Castelli, direttore de "L'uomo e l'Arte", diviene suo amico e sostenitore. Nel 1971 supera con successo una delicata operazione: la guarigione da l'avvio a una nuova fase creativa della sua pittura. Viaggia in Belgio, Francia e Germania pur continuando a vivere e lavorare a Calice Ligure. Tra il 1973 e il 1974 la Kunsthalle di Darmstadt presenta una sua vasta mostra antologica che, con alcune varianti, passa a Venezia a palazzo Grassi e poi a Milano a Palazzo Reale, nel 1974. Nel 1982, nonostante il progressivo aggravarsi della malattia, continua a lavorare e ad avere una intensa attività espositiva in spazi pubblici e privati e nel 1986 viene invitato ad esporre alla Quadriennale d'Arte di Roma. Muore a Milano il 28 novembre del 1986. Dopo la sua scomparsa la città di Genova gli ha dedicato un'importante antologica nel 1987 al museo d'arte contemporanea Villa Croce.
Figlio di Suzanne Valadon e di padre sconosciuto, Utrillo nacque a Monmatre il 26 dicembre 1883. Lavorando come modella per artisti del calibro di Puvis de Chavannes, Renoir e Toulouse-Lautrec, la madre si curò poco del figlio, scegliendo di dedicarsi lei stessa alla pittura. Sin da giovanissimo Maurice fu affidato alle cure della nonna, ma la solitudine e la mancanza delle attenzioni materne lo portarono alle soglie dell’alcolismo. Già all'età di 21 anni si manifestarono i primi sintomi di gravi disordini mentali. Da questo momento in poi attacchi di rabbia, scandali e periodi di internamento in cliniche per malattie mentali si susseguirono per tutto il corso della sua vita. Fortunatamente i disturbi mentali sfociarono in un incessante impeto a dipingere: seguendo il consiglio di un amico medico, Suzanne Valadon incoraggiò il figlio ad iniziare una carriera in campo artistico, rendendosi ben presto conto del suo reale talento. Utrillo non aderì mai ai principali movimenti che emersero in quel periodo storico, come il “Fauvismo”, il “Cubismo” e il “Post Impressionismo”. Secondo lui tutto ciò che voleva esprimere era raccontato dalle scene che dipingeva. I paesaggi di Utrillo hanno poco a che vedere con la natura: al contrario degli Impressionisti egli lasciò sempre poco spazio ad acqua, campi e cielo. I suoi dipinti erano invasi da edifici costruiti dalla mano dell'uomo, villaggi, periferie e città. Nel 1926 Maurice divenne famoso e le sue opere furono ricercate dai maggiori collezionisti dell'epoca. Nel 1935 sposò Lucie Pauvels e si stabilì nella periferia parigina di Le Vésinet, dove condusse una vita pacifica fino alla morte, avvenuta il 5 novembre 1955.
Mario Schifano nasce in Libia il 20 settembre 1934. Nel secondo dopoguerra si trasferisce insieme alla famiglia a Roma, dove inizia ad apprendere il mestiere dal padre archeologo restauratore lavorando su vasi antichi e disegnando planimetrie per il Museo Etrusco di Valle Giulia. Nello stesso periodo inizia a dipingere. I suoi primi lavori, che guardano all'informale, sono frutto della sperimentazione sulla superficie materia, unita all'uso della sgocciolatura. Nel 1959 espone per la prima volta (con una personale alla Galleria Appia Antica, Roma) e viene notato dalla critica. Tra il 1962 e il 1963 visita gli Stati Uniti, dove viene in contatto con la Pop Art, rimanendone influenzato. Partecipa per la prima volta alla Biennale di Venezia nel 1964. Lungo la sua produzione si possono individuare diversi cicli tematici, e, verso la fine del '64, Schifano inizia infatti a mostrare interesse verso la rivisitazione della storia dell’arte. Ciò lo condurrà, l'anno seguente, ai noti lavori dedicati al Futurismo. Nel 1965 espone alla Biennale di San Marino e di San Paolo in Brasile. All'inizio degli anni settanta inizia a riprodurre immagini televisive direttamente su tela emulsionata, rappresentandole così estrapolate dal ritmo narrativo per cui sono nate e realizzate con tecniche e materiali di produzione industriale, quali smalti e vernici al nitro. Dopo un lungo periodo in cui è preda di problemi ideologici ed esistenziali, che influenzano il suo talento creativo fino ad allontanarlo dalla scena artistica, Schifano riacquista interesse per la produzione, questa volta puramente pittorica, verso la fine degli anni settanta. Viene quindi invitato a molte esposizioni, tra le quali nuovamente alla Biennale di Venezia nel 1982 e all'edizione seguente. Questo momento della vita dell'artista è contraddistinto in pittura da paesaggi anemici, gigli d'acqua, immensi campi, ed anche dai movimenti del mare e dai limiti della sabbia che contribuiscono a ricreare memorie e sensazioni caratteristiche della depressione. È una materia cromatica ricca, anche se di superficie. La pittura, impregnata di gesti, vive dell'energia interiore e conquista lo spazio con la sua precisione cromatica. Nel 1996 Mario Schifano mette on-line, in anticipo su molti artisti italiani e non, un sito che gli permette di essere in contatto con tutto il mondo. Tre anni dopo la Biennale di Venezia rende Omaggio a Schifano, morto nel 1998 a Roma
Nato nel 1925, si avvicina al movimento artistico Gutai nel 1955, partecipando a tutte le mostre del gruppo dalla prima alla ventunesima e attuando una vera e propria rivoluzione nell'arte contemporanea giapponese: la rinnova profondamente ed accoglie i cambiamenti imposti da una nuova realtà sociale e culturale. Successivamente diviene membro dell'Art Club rappresentato da Taro Okamoto. È invitato ad esporre in moltissime mostre nei musei di arte moderna di Tokyo, Kyoto, Hyogo, Osaka, Ashiya, Ciba, Miyagi, Fukuoka, Kitakyushu, Itami, Shibuya. Ha esposto anche nelle più importanti gallerie di Tokyo, Osaka e Itami. Nel 1993 partecipa alla 45a Biennale di Venezia (Strada verso l'Oriente) con un ambizioso progetto finanziato dalla Japan Foundation e sostenuto dal Governo Italiano. Tra le varie mostre del Maestro all'estero spiccano quelle tenute presso la Galerie National du Jeu de Paume di Parigi, della Martha Jackson Gallery di New York, del Cultural Exchange Center (mostra personale), del Museo Auckland in Australia; del Museo di Arte Contemporanea di Roma, della Torino Figurative Gallery, dell'International Aesthetic Studio, dell’Art Center di Milano, oltre a diverse personali in Inghilterra e in Cina. Le sue opere sono oggi presenti in numerosi musei, studi e gallerie di tutto il mondo. Sumi è oggi membro del Gruppo AU, alle cui esposizioni partecipa immancabilmente. Sumi indossa sempre i geta (sandali giapponesi in legno) durante le sue performance. I geta sono diventati uno dei suoi simboli, assieme al soroban (abaco o pallottoliere giapponese) e alla bangasa (ombrellino giapponese dalla forma caratteristica). Tuttavia, l'uso che ne fa Sumi è del tutto particolare. Il soroban viene usato non per fare conti aritmetici bensì per creare nei suoi lavori delle linee curve e allo stesso tempo parallele, dopo aver versato sulla tela o sulla carta l'inchiostro giapponese (simile alla china). La bangasa viene usata per dare dei colpi violenti sulla tela, che spesso rimane danneggiata, come peraltro la bangasa stessa. Un altro strumento caratteristico di Sumi è il vibratore. Un semplice motorino con un rotore fissato ad una tavoletta che, se avvicinata alla superficie della tela, comincia a rimbalzare freneticamente spargendo il colore in maniera ritmica.
SHIRAGA Kazuo nasce ad Amagasaki, presso Osaka, nel 1924. Diplomatosi in pittura tradizionale giapponese nel 1948 presso l'Accademia di Belle Arti di Kyoto, inizia ad interessarsi di pittura occidentale studiando all'Istituto di arte di Osaka. Dal 1949 partecipa alla creazione dell'Associazione d'arte Amagasaki ed a numerose esposizioni del Gruppo Shinsesaku-Kyokai. Nel 1952 si accosta al gruppo Genbi e da vita, insieme a Saburo Murakami, Akira Kanayama e Atsuko Tanaka, al Gruppo Zero. Nel 1955 studia con Jiro Yoshihara e diviene membro del Gruppo Gutai (Associazione d'Arte Concreta) partecipando a tutte le loro esposizioni. Già dal 1954 comincia a dipingere gettando la pittura sulla tela scivolandovi su di essa coi piedi e le mani e sostituendo, in tal modo, al pennello parti del suo corpo. Da qui, l'automatismo fisico, liberato da qualsiasi schermo intellettuale, diventa il principio fondante delle sue azioni e delle sue opere. Nel 1957, dopo aver partecipato alle numerose esposizioni del Gruppo Informale organizzate dal critico d'arte Michel Tapié, viene assunto come insegnante alla Amagasaki Municipal Seibun Primary School, mentre nel 1968 diventa istruttore di pittura occidentale presso la classe del Welfare Annuity Hall di Osaka. Negli anni Sessanta inizia a sperimentare nuove tecniche e strumenti dipingendo con assi di legno e creando una serie di oggetti di carta a forma di ventaglio. Entrato nell'ordine buddista nel 1971 assume il nuovo nome di Sodo Shiraga. Nel 1987 riceve il premio culturale del dipartimento di Hyogo. Invitato in tutto il mondo alle retrospettive del Gruppo Gutai, nel 1993, partecipa alla Biennale di Venezia. Shiraga ha continuato fino al giorno della sua morte, avvenuta all'età di 83 anni l'8 aprile 2008, ad esporre, in mostre personali e collettive sia in Giappone che in Europa e ad esibirsi in performances nelle quali il movimento del suo corpo e lo spessore dei pigmenti di colore davano vita ad opere dall'effetto dinamico. Dall'1 novembre al 20 dicembre 2007, pochi mesi prima della sua morte, la Galleria londinese Annely Juda Fine Art lo ha onorato con un'ultima sostanziale esposizione.
Joan Miró nasce a Barcellona nel 1893 e comincia a disegnare dall'età di 8 anni. Nel 1912 a Barcellona, frequenta l'Accademia Galí fino al 1915, dopodiché passa al Circolo Artistico di Sant Lluc. Sono questi gli anni in cui Miró scopre il fauvismo e in cui tiene la sua prima esposizione personale. Nel 1920 si stabilisce a Parigi, dove conosce Picasso e il circolo dadaista. Già in questo periodo, in cui disegna nell'accademia La Grande Chaumière, comincia a delinearsi il suo stile decisamente originale, influenzato inizialmente dai dadaisti ma in seguito portato verso l'astrazione per l'influsso di poeti e scrittori surrealisti. Nel 1926 collabora con Max Ernst per la scenografia di Romeo e Giulietta e realizza il celebre Nudo. L'anno successivo, dopo la morte del padre, Miró si trasferisce alla Cité des Fusains ed ha come vicini, oltre ad Ernst, anche Jean Arp e Pierre Bonnard. Sempre a Parigi, nel 1928, la sua esposizione nella galleria Georges Bernheim lo rende famoso. Nel 1929 Miró, sposatosi, inizia la sua sperimentazione artistica cimentandosi con le litografie, l'acquaforte e la scultura, nonché con la pittura su carta catramata e vetro. Nel 1936 con lo scoppio della guerra civile spagnola torna a Parigi, ma fa ritorno in Spagna al momento dell'invasione nazista della Francia. Da questo momento vive stabilmente a Maiorca o a Montroig. Miró è uno dei più radicali teorici del surrealismo, al punto che André Breton, fondatore di questa corrente artistica, lo descrive come “il più surrealista di noi tutti”. Tornato nella casa di famiglia, Miró sviluppa uno stile surrealista sempre più marcato; in numerosi scritti e interviste espresse il suo disprezzo per la pittura convenzionale e il desiderio di “ucciderla” ed “assassinarla” per giungere a nuovi mezzi di espressione. Nel 1944, dopo la morte della madre, Miró inizia a dedicarsi a lavori di ceramica e a sculture di bronzo e nel 1954 vince il premio per la grafica alla Biennale di Venezia e nel 1958 il Premio Internazionale Guggenheim. In questi anni fa molti viaggi ed esposizioni negli Stati Uniti. Miró dona parte della casa di Palma di Maiorca alla cittadinanza, che nel 1981 vi allestisce la Fundació Pilar e Joan Miró. Ma già nel 1972, d’altronde, Miró aveva creato la Fundació Joan Miró a Barcellona. Dobbiamo attendere gli anni della vecchiaia e la caduta del franchismo affinché nel 1979 gli venga conferita dalla Università di Barcellona la laurea honoris causa (l'Università di Harvard aveva già provveduto nel 1968); nel 1980 riceve la medaglia d'oro delle Belle Arti dal re di Spagna Juan Carlos; nel 1981 viene premiato con la medaglia d'oro di Barcellona e della Generalitat (governo della Catalogna). In età avanzata Miró accelera il suo lavoro, creando ad esempio centinaia di ceramiche, tra cui il Muro della Luna e il Muro del Sole presso l’edificio dell’UNESCO a Parigi. Negli ultimi anni di vita Miró concepisce le sue idee più radicali, interessandosi alla scultura gassosa e della pittura quadridimensionale. Joan Miró muore a Maiorca nel 1983 e viene sepolto a Barcellona.
Massimo Lovati nasce nel 1948 a Genova, dove vive e lavora.
Allievo di Rocco Borella inizia la sua attività come pittore e grafico.
Nel 1976 aderisce al collettivo R.E.C. (Ricerche Estetiche Concrete) e successivamente fonda con altri giovani artisti il Centro di Produzione Visiva. Allestisce laboratori didattici e partecipa a diverse mostre collettive di prestigio tra cui “Costruttivismo, Strutturalismo, Neoconcretismo, Nuova pittura” (con pittori del calibro di Scanavino, Borella, Sirotti, Carreri, Esposto) a Genova nel 1977. E' dello stesso anno, mese di maggio, a Monteghirfo, l installazione: il monolite, ovvero il panorama occluso, riflesso, fotografato: sette fotografie, in sequenza verticale, ripetono i tempi di una scoperta visiva del paesaggio, muovendo dal basso. Il panorama occultato dalla superficie di un pannello/specchio, viene restituito in fotografia da una parte e recuperato in riflesso dall' altra.
Nel 1978 a Genova: Azione/installazione: il monumento come supporto, il monumento che nasconde, riattivazione polemica e ironica di uno spazio “altro”, il monumento spurio, ambiguità architettonica che nasconde, sotto innocue apparenze, uno sfiatatoio di gas di scarico.
E' protagonista ancora di mostre personali di rilievo: “Strutture modulari” a Palazzetto Rosso (Genova 1978) e “Spazio Cromatico” alla Cassa di Risparmio di Genova e Imperia (Genova 1979), con una quindicina di oli di grande impegno.
Dopo questa ricca stagione eclettica e sperimentale, la sua ricerca si concentra sulla fotografia: cambia il medium, o meglio diviene un medium privilegiato, ma non cambia il risultato artistico: Lovati continua a proporci straordinarie forme estetiche che racchiudono una idea del mondo.
Un reportage in bianco e nero per le strade di Genova capace di dare un volto autentico agli “invisibili”, gli emarginati, gli homeless, realizzato negli anni settanta, viene pubblicato alcuni anni dopo in un minibook “I diseredati” a cura dell' associazione culturale 1015.
È del 1981 la performance “Automanifestazione e autoidentificazione corporea” con l' uso della Polaroid. Sempre del 1981 la mostra: “Carene” (elaborazioni monocromatiche). Nel 1982: “Garibaldi vis a vis sé guardante precario doppio” (mostra di elaborazioni e libro in fotocopie). Nel 1983 al Teatro Comunale dell' Opera di Genova viene allestita la mostra: “San Giorgio e il drago, ironia di una assenza” in 9 foto-grafie.
Negli stessi anni inizia le sue ricerche sul movimento ed è logica conseguenza entrare in contatto con lo Sport,attraversando quasi tutti gli sport.
Artista prima che fotografo di grande sensibilità visiva, uomo di vasta cultura, sempre non convenzionale, Lovati riscatta le sue performances da ogni ovvietà rappresentativa ed ecco che la sfida dello sport, di ogni sport, si misura con la sfida dell' invenzione creativa.
La sperimentazione, ora, si articola su due versanti: verosimiglianza e de-formazione. La prima lo porta con l' uso esasperato, sia dei grandangoli che dei teleobbiettivi, a esaltare l' azione, il gesto degli atleti e di conseguenza a “innovare la fotografia tradizionale di sport”(Franco Lefevre, photoeditor di Venerdì di Repubblica); la seconda a reinterpretare creativamente, artisticamente, le forme e i colori del movimento, del dinamismo sia in fase di ripresa che in fase di elaborazione (prima chimica poi digitale).
Mentre le sue immagini vengono pubblicate dalle più prestigiose riviste di fotografia e da noti Magazines italiani e internazionali, si susseguono le mostre: un continuum di operosità artistica, dotata di un alto grado di complessità e di chiarezza nello stesso tempo, capace di innovazione continua, ma segnata da una precisa poetica visiva: lo sguardo d'artista che indaga sulle possibilità della rappresentazione della fotografia e dell' arte in genere, sul rapporto tra il visibile e l'invisibile.
Nel 2004 Lovati ha ricevuto, nell'ambito del Bancarella Sport il premio per la fotografia.
Nello stesso anno l'USSI lo ha premiato quale miglior fotografo dell' anno.
Da diversi anni tiene corsi teorico pratici di fotografia, seminari e workshop per Istituti Superiori, Licei, Enti. Nel biennio 2004/2005 ha collaborato con il Corso di Laurea in Scienze Motorie, Facoltà di Medicina e Chirurgia di Genova.
Nicola De Maria nasce a Foglianise (Benevento) il 6 dicembre 1954, ma si trasferisce fin da ragazzo a Torino, dove abita ancora oggi. Conseguite la Laurea in medicina e la specializzazione in neurologia decide di dedicarsi all'arte. La prima produzione di disegni a matita, pastello, olio e acquerelli è la premessa alla definitiva scelta linguistica dell' artista che trova nella pittura il mezzo più appropriato per esprimersi. Alle opere su tela si affiancano, dalla fine degli anni Settanta, i dipinti murali che svelano la spiritualità e il lirismo dei suoi lavori: trascende così dai confini del dipinto e occupa lo spazio espositivo con la creazione di ambienti. Il suo lavoro, che si concentra sull'astrazione pura, è caratterizzato da un brillante cromatismo con il quale recupera le antiche tecniche utilizzate dagli antichi maestri dell'affresco, rinnovando il rapporto con la tradizione pittorica e con la cultura classica.Nel 1977 realizza il primo dipinto murale a Milano, al quale ne segue un altro per la Biennale di Parigi dello stesso anno. Negli anni '80, l'artista dipinge vari spazi espositivi e gli vengono dedicate alcune retrospettive sui suoi lavori ad olio. In questi primi anni partecipa a tutte le numerose mostre collettive organizzate da Achille Bonito Oliva sulla Transavanguardia ma ben presto si separa da questo conteso sviluppando possibilità espressive non figurative. La sua opera è astratta ma carica di segnali poetici e spirituali. L'artista sembra trasformare la poesia e la lirica in pittura, ogni sua opera è confine magico, paesaggio fiabesco.
E' proprio la spiritualità che lo porta nel corso degli anni '90 a concentrare il suo lavoro sull'astrazione pura trasformando le opere in una sorta di preghiera che può essere raffigurata solo con un gesto pittorico intenso. Numerose le sue mostre personali in Italia e all'estero e le esposizioni e rassegne di livello internazionale, tra cui le Biennali di Venezia (1980, 1988 e 1990), il Centre Pompidou di Parigi (1980), la documenta Kassel (1982), le Gallerie Sperone Westwater (New York), Lelong (Parigi), Col (Osaka), Cardi (Milano), Toselli (Milano), Karsten–Greve (Colonia), Musèe des Beaux Arts Nimes (1994), Kunstverein Ludwigsburg (1994), Liechtensteinische Staatliche Kunstsammlung, Vaduz (1998). il MoMa di New York e il Castello di Rivoli (2002).
Conseguita la Laurea in Geologia presso l'Università di Bologna, passa all'Accademia di Belle Arti di Venezia, dove insegnano tre grandi protagonisti della pittura italiana quali Emilio Vedova, Giuseppe Santomaso e Virgilio Guidi. Dopo una breve esperienza nel campo del Concettuale negli anni '70 -durante la quale utilizza tracce di cera, fragole, fumo e bruciature su carta- inizia un'attentaricerca che lo porterà a sviluppare una pittura “in cui l'energia della luce ed il metamorfismo della materia si fondono per creare remoti paesaggi geologici”, come la descrisse il critico francesePierre Restany. Sulle tecniche dell'artista, Olivier Meessen, in occasione di una personale presso la Galleria del Naviglio di Milano nel 1988, scrive: “Alla creazione di questa pittura sedimentaria, concorrono i ripetuti interventi sulla tela, dove colori, oli e pigmenti vengono stesi in spessi strati, sovrapposti, sepolti e richiamati alla superficie in fasi molteplici (raschiature di spatole, abrasioni, asportazioni, livellamenti). La materia forma i corpi pesanti ed opachi che vengono ad animare i pigmenti colorati, iridescenti. Le linee che si intersecano formano intrecci e vie, interferenze, ponti, percorsi, canali, vicoli ciechi, miraggi”.
Contraddistintosi velocemente come artista di portata e spirito internazionale, già nel 1987 espone alla Samuel Lallouz Gallery di Montreal; neanche tre anni dopo espone in Svezia. Nel 2003 arriva addirittura a Muscat, nel sultanato dell'Oman. Un rapporto più profondo e duraturo si instaurerà poi con la Francia, dove l'artista espone in numerose occasioni, soprattutto negli ultimi anni. Della sua pittura si è occupato anche Achille Bonito Oliva, che ha curato una sua personale presso la Fondazione Mudima di Milano e che lo ha selezionato per partecipare alla collettiva I percorsi del sublimesvoltasi nel 1998 a Palermo.
In Reverie Geologique,testo di Restany, Lo Giudice viene definito come “un pittore tellurico per il suo legame con la natura organico e viscerale”e per la sua affezione “alla materia nella profondità della sua sostanza geologica”, e ancora “la sua unica ambizione, globale e senza limiti, è l'affermazione sempre ripetuta del connubio dell'essere con l'energia cosmica. Siamo nel cuore della creazione sull'eterno filo del rasoio della sensibilità, laddove l'emozione viene a nutrire lo spirito della materia [...] è come uscire dall'inquinamento della città per ritrovare la purezza della natura delle origini. Un viaggio senza passato né futuro nell'eterno presente della geologia trionfante dei nostri sentimenti.”
Viaggio che ha come tappe principali il rispetto della natura e la convivenza con essa, problematiche affrontate nella sua pittura, il rispetto dell'uomo e quindi -in linea con i primi artisti dell'area informale europea- il rifiuto per la guerra e la sua barbarie, come nel caso dell'attività scultorea, anche se, come afferma l'artista «si tratta di una continuazione: non ho abbandonato la pittura, ho voluto ampliarla sperimentando nuovi materiali come la ceramica».
Dal 1989, infatti, Lo Giudice porta avanti una ricerca molto personale tramite la creazione dei suoi Totem: materassi squarciati, svuotati, ustionati e successivamente dipinti con strati di colore (pigmenti e smalti) abbondanti e monocromatici; Queste opere simboleggiano l'orrore della guerra, a parziale ricordo di un'immagine televisiva riguardante l'erroneo bombardamento di un'abitazione civile durante la prima Guerra del Golfo: macerie, corpi dilaniati ed oggetti d'uso quotidiano quali, per l'appunto, materassi bruciati.
Nati dalla testimonianza di questi avvenimenti, i Totemsi pongono come emblema di tali violenze e al contempo recuperano la loro primigenia funzione “religiosa” di mezzo di esorcismo e protezione.
Questa tipologia di opera dal 2000si arricchisce ed evolve, incorporando una serie di farfalle realizzate in ceramica di Albisola: “la bellezza che si posa sulla violenza e sulla guerra.” Infatti, se durante il percorso creativo che porta ai TotemLo Giudice si avventa sui materassi, sventrandoli, bruciandoli ed infine riempendoli di materia, per quanto concerne le opere denominate Dalla Primavera del Botticelli questi oggetti del nostro quotidianosubiscono un differente trattamento: le Primaverepartono dalla sola rete del materasso, come se si trattasse di una raggiunta consapevolezza di ciò che è stato, una base su cui ripartire, ripulita dalla negatività, finendo per ospitare miriadi di farfalle colorate: un simbolo universalmente riconosciuto come emblematico della primavera, della rinascita, dell'evoluzione.
Così si rinnova l'esperienza di un'arte che non esplica solamente una funzione estetica e trascendentale, ma che rimane permeata dello spirito “terrestre” e concreto da cui prende vita, per meglio assolvere al suo compito di medium culturale tra artista e pubblico, tra la storia e la sua interpretazione, tra il sogno e la speranza.
Nato a Dalian (Cina) nel 1966, è un artista noto a livello mondiale per la sua vasta e diversificata linguistica che comprende pittura, scultura, fotografia e installazione. Laureatosi nel 1989 presso l'Istituto Centrale di Belle Arti di Pechino, nello stesso anno prende parte alla storica rassegna China Avant-Garde Art Exhibition, alla China Art Gallery di Pechino. Nel 2002 riceve il CCAA Award, Premio per l'Arte cinese contemporanea. Quest'anno è stato selezionato per rappresentare il suo paese al Padiglione nazionale cinese della 54. Biennale di Venezia. Maoyuan ha esposto in città come Berlino, Londra, Varsavia e, nel 2003, a Parigi presso il Centre Pompidou. Le sue opere sono presenti in numerose collezioni pubbliche e private, come la Sigg Collection in Svizzera, la Rockffeller Collection o L'Ordos Art Museum in Cina. Quella per ABC-ARTE è la sua terza mostra in Italia a partire dal 2001 quando espose a Villa Breda (Padova) mentre l'ultima esposizione risale al 2009, nelle sale di Palazzo Riccardi, a Firenze. Nel 1994 l'artista, accompagnato da una troupe di archeologi, effettuò due sopralluoghi al sito dell'antico regno di Loulan, città che ha ricoperto a lungo il ruolo di crocevia tra oriente ed occidente, le cui macerie sono ora spazzate dai venti del deserto del Gobi. Maoyuan è rimasto talmente colpito dagli effetti che i quest venti hanno avuto sull'antica città, da far diventare quest'esperienza un tema ricorrente in tutto il suo processo creativo: a partire dal 1996, infatti, l'interazione tra gli esseri umani e la terra ha caratterizzato i suoi dipinti a olio, nei quali cielo blu scuro, terra d'oro e corpi umani quasi incastonati nella terra si combinano. L'artista di Dalian, ma di stanza a Pechino, insiste spesso sulle forme del corpo umano ed animale: nei quadri, come nelle sue capre e pecore sferiche (tra le opere più apprezzate e conosciute nella sua produzione) si sofferma spesso sull'esasperazione delle linee dei corpi. Negli ultimi anni, la sua ricerca si è poi concentrata principalmente sullo sviluppo di una pratica scultorea focalizzata su temi concernenti i rapporti tra la cultura asiatica e quella occidentale: basti sottolineare la scelta di utilizzare un materiale così poco diffuso in Cina quale il marmo, citando ed al tempo stesso mettendo in discussione l'estetica occidentale. Tramite le sue operazioni di negazione della forma classica, generalmente compiute tramite levigazione o sabbiatura, l'artista introduce la contrapposizione tra l'idea occidentale di dibattito e la nozione del consenso confuciano (elemento molto importante nella comunicazione indiretta cinese): le decisioni, in Cina, vengono solitamente prese per consenso generale al fine di evitare conflitti ed assicurando che nessuna delle parti coinvolte sia troppo infelice della soluzione scelta. L'azzeramento delle estremità delle superfici scultoree apportato da Yang Maoyuan, così come l'arrotondamento delle pelli animali, rappresenta infatti questa necessità di portare tutte le opinioni sullo stesso piano.
Art promotion is one of the man activities where you really have be keen, in search for new lines, new paths, where others will hardly
follow you. Into this everlasting search lies marked the difference between promoting - as being active part of a movement and being moved
by a strong and urgent desire - and trading.
What we do at ABC always starts from the Art, from the will to preserve the mystique dimension it always have had. What you will find
here is our vision, our beliefs, our main expectation about the promises of the future and the values of the past of modern and contemporary art.
Our selection is at the same time a description of the journey we're going to face and the beginning of the journey itself: we're open
in finding people on the way, sharing with them our experience and our life, untill we reach your destination.
Afro Basadella is between the maximums exponents of Italian abstractionism. After his studies in Venice and Florence he and his brother Mirko moved to Milan, where they hang around with Arturo Martini. In 1934 Afro had the opportunity to go to Rome with his brother Dino and acquaint himself with the art world of the capital. His continuous research of synthesis and purity flow into a sort of abstract expressionism: Afro became one of Fronte Nuovo delle Arti and Gruppo degli Otto main representative. During Second World War the different cultural climate and the diversity of American art scene made a strong impression on the artist, who reinterpreted the new influences in his own, highly personal, fashion. Between 1959-60 his work reached an international level: he was invited to Documenta II in Kassel and he won the first prize at the Carnegie Triennial in Pittsburgh and the Italian prize at the Solomon R.Guggenheim Museum in New York. After the death of his brother Mirko in 1969, Afro suffered from serious health problems. The 1970s saw an increase in his graphic output and a decline in his activities in paintings and exhibiting. Afro died in Zurich in 1976. In November 1997 Afro Catalogue Raisonné was presented at the American Academy in Rome and the next year at the Guggenheim Foundation in Venice.
Massimo Campigli spent most of his childhood in Florence and began to socialize with futuristic circles in Milan in 1909. In 1919, he went to Paris to work as foreign correspondent for the Corriere della Sera. Soon he started painting and consorted with artists like Giorgio di Chirico, Alberto Savinio, Gino Severini and Filippo De Pisis at the Café du Dôme. Extended visits at the Louvre got Campigli into ancient Egyptian art, which became a lasting source of his own painting. Among contemporary art, he was especially inspired by Fernand Léger's cubism, Carlo Carrà's Pittura metafisica and Picasso's 'classical' works of the 1920s. In 1927, Campigli quitted his job for the Corriere to devote himself exclusively to painting. A visit to the Roman Museo Etrusco of the Villa Giulia in 1928 inspired him to a serie of works, which evoked a nostalgic, archaic world, inhabited by female figures. Furthermore, he put his archetypic figures in narrower and narrower spaces and this way, he added them a hieratic character. Between 1927 and 1930, Campigli took part in the Novecento-exhibitions in Zürich, Amsterdam, Berlin and Bern. Together with Mario Sironi, Carlo Carrà and Achille Funi he signed the "Manifesto della Pittura Murale" in 1933 and completed in the aftermath murals at the Palazzo di Giustizia in Milan, at the university of Padua and at the Italian exhibition pavilion in New York. At the beginning of World War II, Campigli left Paris and moved to Venice, where he devoted himself increasingly to his graphic works. After the end of the war, he returned at first to Paris, moved to Rome in 1951 and finally went to St. Tropez in 1963. Also in his later works, Massimo Campigli remained bound to his motif-world full of ethereal female figures and an archaic and symbolic picture language.
Composer and conceptual artist, Chiari was born in Florence 26th september 1926. During the years 1946-51, he studied mathemathics and engineering and also piano and composition. In 1947, he established the first Jazz Club organizing jam sessions inside the Florence University. He was interested in sperimental projects and in visive music initiatives and was attracted by Cage's artwork. In 1950 he dedicated himself to music composition. In 1961 he promoted, together with Pietro Grossi, the Contemporary musical Life Association. During the 70s he had important meetings for his artistic development with Silvano Bussotti and with the Group 70 concrete poetry. He was also in contact with the newyorker exponents of the Fluxus International Movement and, in 1962, he also adhered to Fluxus internationale Festspiele neuester Musik in Wiesbaden. In 1965 he was invited in Paris by the Centre de Musique. During the same year he was invited also to the Museum XX Jahrhunderts in Wien. He partecipated to relevant collective exhibitions such as Kassel's Documenta V at Biennale di Venezia in 1972. He partecipated again to Biennale di Venezia in 1974 and 1976 and to the Sidney Biennale in 1990. in the 60s he performed also in the United States. He always suppoprted the interaction among musics, languages, gestures and images. He developed actions which can be linked to neo dadaist experiences: short songs, complex musical pièces and other perfomances always able to evocate freedom. Chiari also composed action music, using together traditional musical and new expressive means: water, leafs, stones. He was constantly looking for improvvisation (“Gesti su un piano”, 1962; “La Strada”, 1965; “Suonare la città”, 1965). He also created collages and other painting works using photos, signs, stampings, scores and pentagrams. Today his works are mainly exposed in the Contemporary Art International Center of Florence. He died in May 2007.
Dalì made his first studies in his hometown, Figueres, and started exposing when he's only 14 years old, gaining a great success. In 1921 he enrolled in the Academy of Fine Arts in Madrid, where he got to know the great artists of the time, such as the film director Luis Bunuel and the poet Federico Garcia Lorca. Between 1924 and 1925 he made several portraits of his sister, exploring different styles; in 1926, in Paris, he met Pablo Picasso. In this period his way of painting is strongly influenced by cubism and surrealism, most of all by Giorgio De Chirico's tecnique. During the following years he made theatrical and scenographycal works and his painting production got influenced by Ernst, Mirò and Tanguy styles and by the transposition of the unconscious on the canvas. In 1930 he published the "Femme visible", a book dedicated to his wife Gala, model and muse for all his life. He started painting deformed figures with gruesome tones. He partecipated to the Surrealist International Exposition in Paris and Amsterdam. In 1940 he moved to the United States and exposed at New York MOMA together with Mirò. He continued his collaboration with film directors such as Hitchcock and Visconti. In the following years he exposed at New York, Paris, London, Madrid and Barcelona. In 1974 he inaugurated his Theatre Museum in Figueres and in 1979 has his own retrospective at Paris (Centre Pompidou) then moved to London (Tate Gallery). After his wife's death, in 1982, Dalì moved to Pubol and received the title of Marchese by King Juan Carlos I. He died in 1989; in his will he leaves all his works to the Spanish State.
Giorgio De Chirico was born on 10th July 1888 in Volos, the capital of Thessaly in Greece. His father Evaristo was an engineer and his mother, Gemma Cervetto, a noblewoman of Genoese origin. Two years later in Athens was born his brother Andrea, who adopted the pseudonym of Alberto Savinio in his work as a writer and musician. Giorgio, whose father always supported his passion for art, took his first drawing lessons with the Greek painter Mavrudis. In Athens he realized his first painting, entitled "Still Life with Lemons". In 1906, following the death of his father, the De Chirico family moved to Germany where Giorgio attended the Academy of Fine Arts and got in contact with German artistic, literary and philosophical culture. He read Schopenauer, Nietzsche and Weininger, continued studying the Ancients and studied the art of Arnold Bocklin. In 1908 he returned to Italy and was reunited with his family; in 1910 he moved to Florence and was influenced by Giotto and primitive Tuscan painting, concentrating on a style rich in perspective layouts and constructions with arches. In the summer of 1911 he travelled to Paris where his real artistic career began, in contact with the French artistic cultural avantgarde circles and later with the poet Guillaume Apollinaire. The same year, thanks to his brother, he met Pierre Laprade, member of the jury at the Salon d’Automne, for which he exhibited three works: "Enigma of the Oracle", "Enigma of an Afternoon" and "Self portrait". When another three of this works were exhibited in 1913 at the Salon des Indépendants in Paris he was noticed by Pablo Picasso and Guillaume Apollinaire, thanks to whom De Chirico became friends with Brancusi, Braque, Jacob, Soffici, Léger and Derain. In the autumn of the same year Apollinaire organised an exhibition of thirty works by the artist in his studio and wrote a review of De Chirico in "L'intransigeant" using the term metaphysic. Magazines and newspapers published his works and praised his creative qualities. The First World War broke out and the two brothers returned to Italy. He continued to maintain close ties with the Parisian milieu and came into contact with the Dada movement. In 1916 he painted his famous "Hector and Andromache" and "The Disturbing Muses" and frequented Ferrara artistic milieu: he met Filippo De Pisis and began corresponding with Carrà, whom he was to meet during a stay in military hospital. Carrà was fascinated by De Chirico poetic world and artistic themes and painted a series of works with clear metaphysical foundations. "Metaphysical painting" was born, theorized a little later in the magazine "Valori Plastici". In 1918 De Chirico obtained a transfer to Rome. There, he worked with the above mentioned magazine and exhibited in newspaper "Epoca" headquarters together with Prampolini, Carrà and Soffici. In 1919 he presented his first personal exhibition at Anton Giulio Bragaglia Art Gallery and published the text Wemetaphysicists. That moment marked the beginning for De Chirico of an intense period of exhibitions throughout Europe, particularly in France, while considerable interest in his works also emerged in the United States. De Chirico painting was appreciated by all the major Dadaist and Surrealist artists and also by the German artists of "Magic Realism", those of the Bauhaus and of the "New Objectivity". In 1925 he married the Russian dancer Raissa Gurievich Kroll. In 1928 he held his first one man exhibition in New York at the Valentine Gallery and shortly afterwards exhibited in London. He published the novel "Hebdomeros" in 1929. He continued to exhibit in the most important art galleries both in Europe and America and met Isabella Far, who was to become his second wife in 1952. A few months after his ninetieth birthday, on 20th November 1978, Giorgio De Chirico died in Rome. His remains are conserved in the Monumental Church of St. Francis at Ripa, in Rome.
Karel Appel was born on April 25, 1921, in Amsterdam. From 1940 to 1943 he studied at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam. In 1946 his first solo show was held at Het Beerenhuis in Groningen, the Netherlands, and he participated in the Jonge Schilders exhibition at the Stedelijk Museum of Amsterdam. During this time Appel was influenced first by Pablo Picasso and Henri Matisse, then by Jean Dubuffet. He was a member of the Nederlandse Experimentele Groep and established the COBRA movement in 1948 with Constant, Corneille, Asger Jorn, Pierre Alechinsky. In 1949 Appel completed a fresco for the cafeteria of the city hall in Amsterdam, which created such controversy that it was covered for ten years. In 1950 the artist moved to Paris; there the writer Hugo Claus introduced him to Michel Tapié, who organized various exhibitions of his work. Appel was given a solo show at the Palais des Beaux-Arts in Brussels in 1953. He received the UNESCO Prize at the Venice Biennale of 1954, and was commissioned to execute a mural for the restaurant of the Stedelijk Museum in 1956. The following year Appel traveled to Mexico and the United States and won a graphics prize at the Ljubljana Biennial in Yugoslavia. He was awarded an International Prize for Painting at the Sao Paulo Bienal in 1959. The first major monograph on Appel, written by Claus, was published in 1962. In the late 1960s the artist moved to the Chateau de Molesmes, near Auxerre, southeast of Paris. Solo exhibitions of his work were held at the Centre National Art Contemporain in Paris and the Stedelijk Museum in Amsterdam in 1968, and at the Kunsthalle Basel and the Palais des Beaux-Arts in Brussels in 1969. During the 1950s and 1960s he executed numerous murals for public buildings. A major Appel show opened at the Centraal Museum in Utrecht in 1970, and a retrospective of his work toured Canada and the United States in 1972. He dies to the age of 85 years to Zurigo, where it resided for a long time.
Hans Hartung was born in Leipzig in 1904. In 1924 he began studying philosophy and art history at the university of Leipzig, but soon changed to the Akademie der Bildenden Künste and then to Dresden. In 1928 he continued his training with the painter Max Doerner in Munich. This period is reflected in his oeuvre in spontaneous, sketchy line compositions, in which Hartung was guided by the inspiration of change and by the tension between areas of colour and lines. In 1932 he settled in Paris, where he met Kandinsky, Mondrian, Mirò and Calder and exhibited at the Salon des Surindépendants. At the beginning of the war Hartung joined the Foreign Legion and in 1945 he returned to Paris with severe injuries, after few months he became a French citizen. During this period his work is characterised by suspended areas of colour superimposed by calligraphic bunches of lines. After 1949 Hartung had important exhibitions in Paris, Brussels, Munich, Basle and between 1955 and 1964 he had frequent exhibitions at the Documenta in Kassel. In 1956 he was honoured with the Prix Guggenheim and awarded an honorary membership of the Akademie der Künste in Berlin. In 1960 he was awarded the Great International Prize for Painting at the Biennale in Venice. During the 1960s Hartung made monochrome areas of colour in which he engraved rows of parallel grooves, thus introducing into his work not only a calligraphic but also a three-dimensional element. In 1976 Hartung published his memories with a book titled "Self portrait"; one year later he became a member of the Académie des Beaux-Arts in Paris and in 1981 was awarded the Oskar Kokoschka Prize of the Republic of Austria. In 1989 he died in Antibes as one of the most important painters of the European Informel.
Léger was born at Argentan, France, on 4 February 1881. He began his career as a an artist by serving an apprenticeship in architecture in Caen and working as a architectural draughtsman. In 1900 Léger went to Paris and was admitted to the École des Beaux-Arts and he also attended the Académie Julian. In 1910 he was already a prominent exhibitor and member of the Salon des Indépendants. Most of his early pictures had a cubist influence: along with his compatriot Georges Braque and the Spanish painter Pablo Picasso, Léger played an important role in Cubism development and spread. Léger's subsequent work was influenced by his experiences in World War I (1914-1918). He began to use many symbols from the industrial world and attempted to depict his objects and people in machine-like forms. Léger's work had an important influence on the movements of neoplasticism in the Netherlands and constructivism in the Soviet Union. He made highly successful efforts as a glass painter, as a sculptor, and in creating mosaics, ceramics and tapestries. Modern commercial poster and other types of applied art were also influenced by his original designs. In his late paintings, Léger separated colour from his figures, which, while they retained their robot-like shapes, were painted in black lines. The colour was then boldly laid over areas of the canvas to form a separate composition that tied the entire painting together. Léger taught at Yale University and at Mills College in California from 1940 until 1945. By now his dominant motifs were drawn from the workplace and were post-Cubist in form, combined with the representational clarity of Realism. Fernand Léger died at Gof-sur-Yvette, near Paris, on 17 August 1955.
Marco Lodola was born in Dorno (Pavia) in 1955. He attended the Academy of Fine Arts in Florence and Milan and rounded off his studies by giving a dissertation on Fauvism, which was a major influence on his work. Other artists, apart from Matisse, that can be said to have influenced him include Fortunato Depero and Beato Angelico. At the beginning of the 1980s, he and several other artists founded the New Futurist movement, with art critic Renato Barilli as its main exponent.
He had regularly held exhibitions in major European cities such as Rome, Milan, Florence, Bologna, Lyons, Vienna, Madrid, Barcelona, Paris, Amsterdam, Monte Carlo, Sao Paulo, Venice, Mexico City, Rio de Janeiro, Turin, Boca Raton, Miami, New York, Palermo, Udine, Bruxelles, Beijing. He has also taken part in exhibitions and projects for important manufacturers and firms, such as: Swatch, Coca Cola, Ferrari Wines, Titan, Grafoplast, Dash, Harley Davidson, Ducati, Riva, Illy, Francis-Francis, Carlsberg, Valentino, Coveri, Fabbri, I Mirabili, Shenker and Seat.
He has also collaborated with several modern authors, such as Aldo Busi, Marco Lodoli, Giuseppe, Pulina, Claudio Apone, Tiziano Scarpa and Giuseppe Cederna and with various musicians: 883 featuring Max Pezzali, Renzo Arbore, Timoria, Jovannotti, Andy (Bluvertigo) and Syria.
Italian artist known for his abstractism made of particular shapes, which appear irregular and unsolved to the observator. In 1946 he founded the Social Art Group, together with Dorazio, Guerrini, Vespignani, Buratti, Muccini, Maffioletti and Perilli. In 1947 he partecipated in the creation of the Form 1 manifest and exposed to the exhibition organized by the group in the Art Club gallery. In 1948 he collaborated with Sottsass jr. to organize the first Italian Abstract Art exhibition in the Gallery of Rome. In 1950 he founded with Dorazio and Guerrini the Library-Gallery “Age d'Or”. Age d'Or and Art Club organized a Abstract and Concrete Art exhibition at the National Modern Art Gallery. In 1957 he had his first personal exhibition at “La tartaruga” Gallery and in 1962 he had a personal room in the Biennale di Venezia. In 1963 he exposed at the Gallery Bonino In New York City. Negli anni successivi espone a Praga, Roma, Amsterdam, Francoforte, Chicago e Tokio. He had two retrospectives: the first one in San Marino (Palace of Congresses), titled “Achille Perilli, continuum 1947-1982”, the second one in Paris (Paris Center), titled “Achille Perilli, The Geometric Irrational”. In the 90s he focused on a brilliant chromatism. The shapes are painted bidimensionally and extend themselves on the canvas creating elegant and dynamic structures.
Robert Rauschenberg (October 22, 1925 – May 12, 2008) was an American artist who came to prominence in the 1950s for his transition from Abstract Expressionism to Pop Art. Rauschenberg was born as Milton Ernst Rauschenberg (he changed his first name as an adult) in Port Arthur, Texas, the son of Dora and Ernest Rauschenberg, both Fundamentalist Christians. Rauschenberg became famous for his "Combines" of the 1950s, in which non-traditional materials and objects were employed in innovative combinations. While the Combines are both painting and sculpture, Rauschenberg also worked with photography, printmaking, papermaking and performances. He had a tendency to pick up from the trash objects on the streets of New York City and bringing them back to his studio and use them in his works. He claimed "I wanted something other than what I could make myself and I wanted to use the surprise and the collectiveness and the generosity of finding surprises. And if it wasn't a surprise at first, by the time I got through with it, it was. So the object itself was changed by its context and therefore it became a new thing." In 1953, Rauschenberg stunned the art world by erasing a drawing by de Kooning. In 1964 he was the first American artist to win the Grand Prize at Biennale di Venezia. Since then, he enjoyed a rare degree of institutional support. Rauschenberg lived and worked in New York City and on Captiva Island, Florida. Rauschenberg studied at the Kansas City Art Institute and the Académie Julian in Paris, France, where he met the painter Susan Weil, who later (1950) became his wife. In 1948 Rauschenberg and Weil decided to attend Black Mountain College in North Carolina. At Black Mountain his painting instructor was the renowned Bauhaus figure Josef Albers, whose strict discipline and sense of method inspired Rauschenberg, as he once said, to do "exactly the reverse" of what Albers taught him. Composer John Cage was also a member of the Black Mountain faculty. From 1949 to 1952 Rauschenberg studied with Vaclav Vytlacil and Morris Kantor at the Art Students League of New York, where he met fellow artists Knox Martin and Cy Twombly. In 1951 Rauschenberg had his first one-man show at the Betty Parsons Gallery and in 1954 he had a second one-man show at the Charles Egan Gallery. Rauschenberg's "White Paintings", created in 1951, were exhibited at Eleanor Ward's Stable Gallery in New York during October of 1953; while they contain no images at all, are said to be so exceptionally blank and reflective that their surfaces respond and change in sympathy with the ambient conditions in which they are shown, "so you could almost tell how many people are in the room" as Rauschenberg once commented. The White Paintings are said to have directly influenced Cage in the composition of his completely "silent" piece titled "4'33" the following year. In 1952 Rauschenberg began his series of "Black Paintings" and "Red Paintings," in which large, expressionistically brushed areas of color were combined with collage and found objects attached on canvas. These so-called "Combine Paintings" ultimately came to include such heretofore un-painterly objects as a stuffed goat ("Monogram", 1959) and a quilt ("Bed", 1955), breaking down traditional boundaries between painting and sculpture, reportedly prompting one Abstract Expressionist painter to remark, "If this is Modern Art, then I quit!". His approach was sometimes called Neo-Dada, a label he shared with the painter, close friend, and sometime lover Jasper Johns. Rauschenberg's repeated quote that he wanted to work "in the gap between art and life" suggested a questioning of the distinction between art objects and everyday objects, reminiscent of the issues raised by the notorious "Fountain" by Dada pioneer, Marcel Duchamp. At the same time, Johns' paintings of numerals, flags, and the like, were reprising Duchamp's message of the role of the observer in creating art's meaning. In 1961, Rauschenberg took a step in what could be considered the opposite direction by championing the role of creator in creating art's meaning. He was invited to participate in an exhibition at the Galerie Iris Clert, where artists were to create and display a portrait of the owner, Iris Clert. Rauschenberg's submission consisted of a telegram sent to the gallery declaring "This is a portrait of Iris Clert if I say so." By 1962, Rauschenberg's paintings began to incorporate found images - photographs transferred to canvas by means of the silkscreen process. In 1966, Billy Klüver and Rauschenberg officially launched Experiments in Art and Technology (E.A.T.), a non-profit organization established to promote collaborations between artists and engineers. In 1984, Rauschenberg announced his Rauschenberg Overseas Culture Interchange, or ROCI, at the United Nations. This would culminate in a seven year ten-country tour to encourage "world peace and understanding," through Mexico, Chile, Venezuela, Beijing, Tibet, Japan, Cuba, Soviet Union, Berlin, and Malaysia. Paintings, often on reflective surfaces, as well as drawings, photographs, assemblages and other multimedia were produced, inspired by these surroundings, and were considered some of his strongest works. The ROCI venture, supported by the National Gallery of Art in Washington, D.C., went on view in 1991. Rauschenberg's long career has also included significant contributions to printmaking and Performance Art. As of 2003 he worked from his home and studio in Captiva, Florida until his death on May 12, 2008, from heart failure.
Emilio Scanavino was born in Genoa in 1922. At the end of the 30s he attended an artistic high school where he met Professor Mario Calonghi, a fundamental figure in his education. In 1942 he held his first solo exhibition at Salone Romano in Genoa and in the same year he enrolled at the Architecture University in Milan. He had to interrupt his studies due to the enrolment in the army that he abandoned the 8th September 1943 to refuge in Liguria mountains, where he remained until the end of the conflict. In 1946 he married Giorgina Graglia, whom he met at the artistic high school, and they had two children, Sebastiano and Paola. In 1947 he went for the first time to Paris, where he met other artists such as Edouard Jaguer, Wols, Camille Bryen, and where he experienced a postcubist influence, that will define its artistic education. His first exhibition at the Biennale di Venezia went back to 1950. There he would be seen again in 1954, 1958, 1960 (invitation with a personal hall) and 1966. In 1951 he held a solo exhibition in the London Gallery ‘Apollinaire’ and there he met Philippe Martin, Eduardo Pozzi, Graham Sutherland, Francis Bacon. In the same year he opened his first atelier in a little apartment in Foro Bonaparte in Milan. The next year he lived in Albissola Marina, Liguria, working in the Pottery factory Mazzotti and there he met and became friend with Fontana, Capogrossi, Jorn, Corneille, Matta, Appel, Lam and Dova, Crippa, Baj, Dangelo, Fabbri, Sassu. In 1955 he won the Graziono Prize and in 1958 the Lissone Prize. His first contract, in 1957, with art dealers Carlo Cardazzo and Peppino Palazzoli (in Naviglio Gallery), is of extreme importance, and allowed him to dedicate totally to art. In 1958 he moved to Milan with his family. In 1960 he won several Prizes: Spoleto, Sassari, Valsesia, Lignano, and was invited to expose in a personal location to the Biennale di Venezia. In 1962 he bought a house in Calice Ligure, where he set up a studio and a ceramic laboratory. In Milan he met the art colllector Gianni Malabarba, with whom began a lasting friendship. In 1963 he received the La Spezia Prize. In the same year Cardazzo died and this broght sorrow and sadness in the Scanavino's family. Cardazzo's brother, Renato, tried to continue the work of Carlo and to promote Scanavino in Italy and abroad. In 1966 Scanavino received the Pinin Farina Prize at Biennale di Venezia. In 1988 he moved to Calice Ligure and established a little artistic community there. After some health problem he kept traveling abroad between Belgium, France and Germany. Among the great number of personal exhibitions, we should remember the anthological exhibition in 1973 prepared by Kunsthalle of Darmstadt, transferred in the same year to Venice in Palazzo Grassi and to Milan in Palazzo Reale. He died in Milan in November 1986.
Son of Suzanne Valadon and unknown father, Maurice Utrillo was born in Montmartre on December 26th 1883. Working as a model for the artists Puvis de Chavannes, Renoir and Toulouse-Lautrec, Suzanne Valadon rapidly neglected her son and devoted herself to painting. The young Maurice was left in the care of his grand-mother but coping with his loneliness and the absence of his mother he soon became addicted to drink. Already at the age of 21 he suffered the first symptoms of a deep mental disorder. From then on, fits of explosive anger, scandals and internments in lunatic asylums became his common lot during many years. Luckily, such mental illness resulted in an urge to paint. Following the advice of a doctor, who was also a close friend, Suzanne Valadon encouraged her son to start up a career thinking that painting could prove to be a useful therapy for him. Nevertheless, she soon understood that he was endowed with a real talent. Utrillo never adhered to the major artistic currents, the "Fauvist", "Cubist" or "Post-Impressionist" movements, which emerged during this century. Everything he wanted to signify was told by the scenes he painted according to his own way. Utrillo landscape was not that of nature. Contrary to the Impressionist painters he left little place to water, grounds or nature. His landscapes were simply invaded by buildings erected by human hands. They were made of villages, suburbs and towns. As early as 1926, Maurice Utrillo became famous and his works were much in demand by collectors. He married Lucie Pauwels in 1935 and settled in the Paris suburb of Le Vésinet where he led a peaceful life working daily until his death on November 5th 1955.
He was born in Libya Homs in 1934. After the second post-war period, his family moved to Rome, where the young Schifano collaborated with his father, restorer archaeologist at the Etruscan Museum. In the meanwhile he started painting. His debut was inside the informal culture with canvas of high materico thickness. In 1959 he exhibited for the first time and yet the following year the critics showed interest in his painting. Between 1962 and 1963 he spent part of his life in the United States, where he came closer to Pop Art. In 1964 he was invited to exhibit at the Biennale in Venice. The artist worked by thematic cycles and by the end of the year he marked the interest towards the revisitation of the history of art, which the following year would bring him to those famous artworks dedicated to Futurism.In 1965 he exhibited at the Biennale in San Marino and in San Paolo in Brasil. At the beginning of the Seventies Schifano started reproducing some tv-images directly on emulsified canvas, setting them apart from the narrative rythm they belong to and reproposing them with some touches of nitre colours. After a long period in which Schifano wascontented between ideological and existential fears, which would of course influence his creative talent and bring him far from the artistic scene, he would take interest again in painting towards the end of the Seventies. He was invited to several exhibition, among them the Biennale in Venice again in 1982 and 1984. This was the period of his landscapes, his water-lilies, his cornfields, the movements of sea, the extents of sand re-created trough memories and sensations. The chromatic matter is rich, although of surface.The painting, impregnated of gestures, lives of an internal energy, conquers the space with his chromatic preciosity. In 1996 Schifano started a site in Internet which would put him in contact with the world. He died in Rome in 1998.
Yasuo Sumi was born in 1925. After joining Gutai in 1955, Sumi becomes a member of Art Club, the group represented by Taro Okamoto. He participated in all the Gutai exhibitions from the first to the 21st one. Furthermore he has been invited to many exhibitions organized by public museums such as Tokyo City Modern Art Museum, Kyoto City Modern Art Museum, Hyogo Prefecture Museum, Osaka City Modern Art Museum, Ashiya City Museum, Chiba City Art Museum, Miyagi Prefecture Art Museum, Fukuoka City Art Museum, Kitakyushu City Art Museum, Itami City Art Museum, Shibuya Art Museum. He also held many exhibitions in the most famous galleries in Tokyo, Osaka and Itami. Sumi has been invited to the 45th Venice Biennale (Path to the East) with a project promoted by the Japan Foundation and the Italian Government. He held many exhibitions abroad, such as Galerie National du Jeu de Paume in Paris; New York Martha Jackson Gallery, New York Cultural Exchange Center (solo exhibition) in US; Auckland Museum in Australia; Rome Contemporary Art Museum, Torino Figurative Gallery, Torino International Aesthetic Studio, Milan Art Center, Fondazione Morra in Naples. in Italy; Rauma Art Museum, Helsinki Art Academy in Finland; Rotterdam Design House in Netherlands; Off Center in Canada; and also in England and China. Plenty of his works have become property of public national museums all over the world. Sumi is today an active member of the AU Group and participates to the group exhibitions. He uses abaci, vibrators and combs for his works. While painting and performing Sumi always wears a pair of geta (woodden japanese shoes) and a bangasa (japanese umbrella), and uses a soroban (japanese abacus). But the use of these instruments is peculiar: sorobans are, for example, used, together with japanese ink to create straight and curved lines on papers and canvas. Bangasa is used to blow violently canvases, thus making them damaged. Vibrators are used to spread rhytmically colours on papers and canvases.
Kazuo Shiraga was born in 1924 in Amagasaki City, a municipality belonging to Hyogo Prefecture. He started his studies learning Japanese-style painting at Kyoto City Specialist School of Arts (now Kyoto City University of Arts). After graduating in 1948, however, he moved towards Western styles, taking up oil painting. He also studied at the Osaka Municipal Art Institute. In 1949 he participated in the establishment of Amagasaki Art Association: he studied with Tsuguo Itoh and participated to Shinseisaku-ha Kyokai group exhibition until 1954. In 1952 he organized Zero-kai group together with Saburo Murakami, Akira Kanayama, Atsuko Tanaka and he participated to the Contemporary Art Conference (so-called Genbi). In 1954 he began to be interested in Action-Painting performances by scattering paint on canvas with his feet. He became a member of the Gutai Art Association and he started painting directly with his hands and feet, abandoning completely the brush. The flow and build-up of pigments in his works create a dynamic effect resembling the violent movements of a massive beast. In 1957 he was praised by Michel Tapiè and invited to many Informel Art exhibitons which were organized both in Japan and abroad. He became part of the staff of Amagasaki Municipal Seibun Primary School and in 1965 the 2nd Amagasaki Citizen's Cultural Award was awarded him. During the Sixties Shiraga occasionally experimented new techniques and new implements, for instance painting with wooden boards, and creating a number of fan-shaped objects in paper. However his technique and style changed little through his 50-year career. Indeed, despite the physical demands of the entire process, he continued to paint with his feet also when he became older. In 1971 he decided to became a Buddhist Monk but this crucial decision didn't affect his love for arts and he didin't interrupted his artistic career. In 1987 the Hyogo Cultural Award was awarded him and in 1993 he partecipated to Biennale di Venezia together with the Gutai Group. In his later years, as his reputation grew, his artworks were chosen as subjects of various exhibitions both in Japan and in European countries. In 2007, few months before his death, he was honoured with a substantial exhibition in Britain, at the Annely Juda Fine Art Gallery in London. After his death his wife Fujiko, an artist and former member of the Gutai group herself, continued to be active in the art world. His works exhibit an incomparable feeling of power and speed and stand as monumental landmarks in the history of Japanese avant-garde art. He died on April 8th, 2008, at the age of 83.
Spanish painter, whose surrealist works, with their subject matter drawn from the realm of memory and imaginative fantasy, are some of the most original of the 20th century. Miró was born April 20, 1893, in Barcelona and studied at the Barcelona School of Fine Arts and the Academia Galí. His work before 1920 shows wide-ranging influences, including the bright colors of the Fauves, the broken forms of cubism, and the powerful, flat two-dimensionality of Catalan folk art and Romanesque church frescoes of his native Spain. In 1920 he moved to Paris, where, under the influence of surrealist poets and writers, he evolved his mature style. Miró drew on memory, fantasy, and the irrational to create works of art that are visual analogues of surrealist poetry. These dreamlike visions, such as Harlequin's Carnival or Dutch Interior, often have a whimsical or humorous quality, containing images of playfully distorted animal forms, twisted organic shapes, and odd geometric constructions. The forms of his paintings are organized against flat neutral backgrounds and are painted in a limited range of bright colors, especially blue, red, yellow, green, and black. Amorphous amoebic shapes alternate with sharply drawn lines, spots, and curlicues, all positioned on the canvas with seeming nonchalance. Miró later produced highly generalized, ethereal works in which his organic forms and figures are reduced to abstract spots, lines, and bursts of colors. Miró also experimented in a wide array of other media, devoting himself to etchings and lithographs for several years in the 1950s and also working in watercolor, pastel, collage, and paint on copper and masonite. His ceramic sculptures are especially notable, in particular his two large ceramic murals for the UNESCO building in Paris (Wall of the Moon and Wall of the Sun, 1957-59). Miró died in Majorca, Spain, on December 25, 1983.
Nicola de Maria was born in 1954 in Foglianise (Benevento) and lives and works in Turin. After graduating in medicine and specialisation in neurology decided to devote himself to painting. From the beginning his painting is highly poetic vein and artistic language of simple shapes and bright colors and pure. It was inserted into the movement of Italian Transavanguardia, theorized by Achille Bonito Oliva in 1978, but unlike other members of the group, as Sandro Chia, Francesco Clemente, Enzo Cucchi and Mimmo Paladino, his work has focused primarily on abstract art and a pictorial approach in which the limits of the canvas were exceeded in relation to merge with the surrounding area. Numerous its exhibitions in Italy and abroad and exhibitions and international exhibitions, including the Venice Biennales (1980, 1988 and 1990), the Centre Pompidou in Paris (1980), documenting Kassel (1982), the MoMa in New York and the Castello di Rivoli (2002).
Born in Taormina (Sicily), lives between Milan, Paris and Noto.
Graduated in Geology at Bologna University, he attended the Academy of Fine Arts in Venice studying under three protagonists of italian art of the second part of the twentieth century: Emilio Vedova, Giuseppe Santomaso e Virgilio Guidi.
After a quick experience in Conceptual, during the 70s, -using wax, strawberries, smoke and burned paper- he began an original research that brings him to develop a painting style «where light's energy blends with metamorphismof the material to create remote geological views» as the french critic of Informal Pierre Restany wrote about him.
For the catalogue of a personal exhibition held at Galleria del Naviglio in Milan, the critic Olivier Meessen wrote: «His “sedimentary” painting is structured by several intervents on the canvas, in which colors, oils and pigments are spread with thick coatings, layed one upon the other, buried and then ri-emerged on the surface in various phases (with spatula's scratchings, abrasions, removals, levelings). Matter gives shape to heavy and matt bodies that are going to enliven the iridescent pigments. The lines upon the surface developes interlaced designs, crossroads, interferences, bridges, pathways, canals, blind alleys, mirages.» During the years he continues the collaboration with the Galleria del Naviglio in Milan.
Rapidly recognised as an artist with international spirit and extent, he exhibited in 1987 at the Samuel lallouz Gallery of Montreal; not even three years later he he exhibited in Sweden. In 2003 he arrived even in Muscat, in the Sultanat of Oman. A stronger and more enduring relationship is established with France, where the artist exhibit his works more and more specially in the last years.
His painting style has been analized also by Achille Bonito Oliva, who curated his personal exhibition at MUDIMA Foundation in Milan and selected him for the collective “Sublime's ways” which took place in 1998 in Palermo. In Reverie Geologique,Restany's critical text, Lo Giudice is defined as «a “telluric” painter for his bond with organic and visceral nature» and for his «affection for the profound, geological substance of the matter: his unique, global and unlimited ambition is the cyclical marriage between the human being with the cosmic energy: it's the core of Creation, always running over the knife's edge of sensibility, where emotions become the feeding for matter's soul. [...] it's like getting out of a polluted city to regain purity of original nature. A trip with no past nor future into the eternal present of the triumphant geology of our feelings.»
This journey's principal stations are respect for nature and cohabitation with it, issues faced by his paintings, and respect for human being so -aligning with first european Informal artists- the reject for war and it's barbary, as in his sculpture works.
About his sculpture, Lo Giudice says: «With Totemand Primavera's I didn't leave painting for sculpture, it's more a perpetuation of it: I just amplifyed painting experimenting new materials likeceramic». Since 1989, Lo Giudice brings on a very peculiar research with his Totemseries: mattresses burned, slashed, emptied, and then painted with several and plentiful colour (pigment and enamel) layers which simbolize atrocities of war: a recall to a television image about the first Gulf War, where a civil house has been hitted by a rocket by error: rubbles, racked bodies and various common, destroyed object like, indeed, a mattress.
Borned from the need of attesting those events, Totems become the emblem of such violence and at the same time recuperate their original “religious” use as a means of exorcism and protection. This typology of artwork is enriched, since 2000, with a new variant: the “Dalla Primavera del Botticelli” (from Botticelli's Spring): in this case, the mattress is totally emptied and his primary structure now accommodate a large number of Albisola's ceramic butterflies which represents «The Beauty laying on violence and war».
As an universally reknowed and emblematic symbol of spring, rebirth and evolution, Lo Giudice's butterflies represents the hope that humanity entrust in young generations and in their new consciousness. An awareness based on the fatal errors committed, specially during the last century. In this way is renewed the experiece of an art that not only esplicate an aesthetic and trascendental performing, but rather remains permeated by the terrestrial and concrete spirit from which comes to life, to better fullfill his duty as a cultural medium between artist and public, history and his interpretation, dream and hope.
Born in Dalian (China) in 1966, is an internationally known artist, with a vast and varied language, which includes painting, sculpture, photography and installation.
Graduated in 1989 at the Central Academy of Fine Arts in Beijing, in the same year he took part in the historical overview China Avant-Garde Art Exhibition, at the China Art Gallery in Beijing.
In 2002 he received the Award CCAA, Prize for Contemporary Chinese Art.
This year Maoyuan has been selected to represent his country at the China National Pavilion of 54. Venice Biennale.
The chinese artist has exhibited in cities such as Berlin, London, Warsaw and in 2003 at the Centre Pompidou in Paris. His work is represented in several public and private collections, like the Sigg Collection in Switzerland, Rockffeller Collection or the Ordos Art Museum in China.
His ABC-ARTE's personal exhibition will be his third in Italy since 2001, when he exhibited at Villa Breda (Padova), while the last one was in 2009, in Palazzo Riccardi, Florence.
In 1994, accompanied by a team of archaeologists, he made two visits to the site of the ancient kingdom of Loulan, a city that has long served the role as a crossroad between East and West, whose ruins are now swept by the winds of the Gobi desert.
Maoyuan was so impressed by the effect that these winds have on the ancient city, to turn this experience into a recurrent theme in his creative process: since 1996, in fact, the interaction between humans and land has characterized his oil paintings, in which dark blue sky, golden lands and human bodies embedded in earth are combined.
Dalian born artist (but lives in Beijing) often insists on human body's forms: in paintings, such as in his spherical goats and sheep (among the most popular and well known works in his production) he works on body's lines exasperation.
In recent years, he has focused his research on the development of a sculptural practice focused on issues concerning relations between Asian and Western culture: it is enough to emphasize the choice of a material way not widespread in China as marble, quoting and at the same time questioning Western aesthetic.
Through his denial operations of the classic form, usually done by sanding or sandblasting, Maoyuan introduces the contrast between Western idea of debate and the notion of Confucian consensus (a very important element for chinese indirect communication): decisions in China, are usually taken by consensus to avoid conflict and ensuring that none of the parties is too unhappy with the chosen solution. Maoyuan's elimination of bust's ends, as well as rounding animal skins, is this need to iron out all opinions on the same plane.
''Colors without matter don't exist. I think the first thing to do is to free colors from the paint brush. If you are creating something and you don't throw away the paint brush you have no possibility to develop colors. Without paint brushes colors live for the first time. You can use successfully whatever kind of mean instead of the paint brush.''
Shimamoto was born in Osaka in 1928. He is one of the founders of Gutai movement together with Jiro Yoshihara, Akira Kanayama, Saburo Murakami and Kazuo Shiraga. The movement developed in the Japanese Kansai region in 1954. In 1957 the Group created “Gutai Stage Exhibition”: it was the first time that a stage was used as a living artistic space in which works were shaped through a colors shooting cannon, created by Shimamoto himself, in a performance enriched with sounds, helicopters, cranes and weapons. Artistic performances were themselves part of art exhibitions and some of Shimamoto's sound works, predicting Cage's Fluxus work, were purchased by Centre Pompidou in Paris and by the City Museum in Ashiya. During the Sixties Shimamoto attended with his works several exhibitions regarding the Gutai movement in the most important Galleries in the world. Gutai artists were discovered by the art critic Michel Tapiè. He described the Group linking it to French Movements of Informal Art and Tachisme. In 1972 the Group broke up and Shimamoto showed his interests for Mail Art and Networking Art developing a personal and particular idea of the artist and the artwork. The latter is the result of a social and collective work which reflects a precise plan: every time he met an artist he invited him to express himself with brushes, canvases and colors. Shimamoto used to take pictures during the artist's performance. Shimamoto also used to realize enormous canvases. For example, in 1990, at the Modern Art National Gallery in Rome, he realized the same performance made during the “Second Exhibition at Ohara Kaikan” in Tokyo but with new meanings and means. Shimamoto asked to his mail artist friends to put in the bottles full of colors some little objects like shells, grains of rice and sand, to use them in his artworks. The result was really peculiar and original. During the 80s and 90s he realized a lot of performances between Europe and USA. In 1993 the Group was invited to Biennale di Venezia. In 1994 Alexandra Munroe, curator of the exhibition “The Japanese art after 1945: scream against the sky” at New York Guggenheim Museum, discovered that Shimamoto's holes were performed in 1950 and that Shimamoto preceded Lucio Fontana's famous creations. This discover brought a renewed interest for Shimamoto's works, since then mentioned in artistic manuals and encyclopaedias. In 1996, after his meeting with Bern Porter, creator of the bomb destroying Hiroshima, and because of his constant pacific activity against atomic bombs, he was proposed as candidate for the Peace Nobel Prize. In 1998 he was chosen among the world four best artists in the afterwar era together with Jackson Pollock, John Cage and Lucio Fontana for an exhibition at MOCA in Los Angeles. In 1999 he attended the 48th Biennale di Venezia together with David Bowes and Yoko Ono and in 2003 he came back to the 50th Biennale di Venezia with the iniziative “Brain Academy Apartment”. In Venice, in 2004, he realized a performance with an helicopter. In May 2006 the Morra Foundation hosted a Shimamoto's personal exhibition in Naples; the event began with an opening performance in the renowned Dante Square. In 2007 Shimamoto partecipated again at Biennale di Venezia and took part in the “Art Challenged Project” organizing an event in Beijing for disabled artists. Today he is involved in a teaching project at Kyoto Universty of Education and he is President of the Tkarazuka University of Art and Design and of the Disabled Artists Japanese Association.
2008 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES “Vento d'Oriente”, exhibition and performance, Certosa di San Giacomo, Capri
2007 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES “Shozo Shimamoto: Action colours 1950-2006”, Galleria Pier Giuseppe Carini & Luciano Donatini, San Giovanni Valdarno “Bottle Crash”, performance, Chiostro Di San Nicolo', Venice “Felissimo” Performance, Kobe Fashion Museum
2006 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES “Shozo Shimamoto”: Napoli 26-27-28 maggio 2006
GROUP EXHIBITIONS “Zero. Avant-garde Internationale des années 1950-60”, Musée Saint Etienne Metropole, Saint Etienne; Stiftung Museum Kunst Palast, Dusseldorf
2005 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES Helicopter Performance, Trevi Exhibition, Reggio Emilia
GROUP EXHIBITIONS “Gutai and Au”, Modena “Size”, Udine 2004 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES Exhibition “Shozo Shimamoto: dal Gutai a Proxima 1955-2004” and Performance “Nyotaku”, Contemporary Art International Gallery, Ca' Pesaro, Venice
GROUP EXHIBITIONS “Traces: body and idea in contemporary art”, National Museum of Modern Art, Kyoto; National Museum of Modern Art, Tokyo
2003 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES 50th Biennale di Venezia, Venice
2001 GROUP EXHIBITIONS “Le Tribù dell'Arte”, curator Achille Bonito Oliva, Municipal Gallery of Contemporary and Modern Art, Rome
2000 GROUP EXHIBITIONS “Sentieri interrotti. Crisi della rappresentazione e iconoclastia nelle arti dagli anni Cinquanta alla fine del Secolo”, Bassano del Grappa
1999 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES 48th Biennale di Venezia, Venice
GROUP EXHIBITIONS “Gutai”, Galerie Nationale du Jeu de Paume, Paris 1998 GROUP EXHIBITIONS “Out of Actions: Between Performance and the Objects, 1949-1979”, Museum of contemporary Art, Los Angeles; Osteirresches Museum fur angewandte Kunst, Wien; Museu d' Art Contemporani, Barcelone; Tokyo City Museum of Art 1997 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES “Shozo Shimamoto, Gutai-Works”, Performance and Exhibition, Hundertmark Gallery, Colonia
GROUP EXHIBITIONS “Scene of the crime”, Armand and Hammer Museum, UCLA “Gravity: Axis of Contemporary Art”, National Museum of Art, Osaka
1994 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES “Art Party and Works”, Hankyu Departement Store, Kobe
GROUP EXHIBITIONS “Japanese Art after 1945: scream against the sky”, Museum of Art of Yokohama, Guggenheim Museum, New York; San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco
1993 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES Shozo Shimamoto Exhibition, Sankaku Park, Fenice Gallery, Osaka Performances and exhibition, Helsinki 45th Biennale di Venezia, Venice
GROUP EXHIBITIONS “Gutai II -1959-1965”, Ashiya City Museum of Art & History, Ashiya “Gutai III- 1965-1972” Ashiya City Museum of Art & History, Ashiya “Gutai 1955-1956-The contemporary Japanese art finds a second breath”, Penrose Institute of Contemporary Arts, Tokyo; Kirin Plaza, Osaka “Gutai Suite?”, Palais des Arts, Toulouse 1992 GROUP EXHIBITIONS “Avant-garde japanese Gutai” Miyagi Museum of Art, Miyagi “Gutai I -1954-1958”, Ashiya City Museum of Art & History, Ashiya “Open-air Exhibition: a new way” Ashiya Park, Ashiya
1991 GROUP EXHIBITIONS “Gutai Japanische Avantgarde 1954-1965” Institude Mathildenhohe, Darmstadt 1990 GROUP EXHIBITIONS Shoto Museum of Art, Tokyo “Giappone all'avanguardia. Il Gruppo Gutai negli anni Cinquanta“, Galleria Nazionale d'Arte Moderna, Rome
1986 GROUP EXHIBITIONS “Japon des avant gardes 1910-1970", Centre Georges Pompidou, Paris
1985 GROUP EXHIBITIONS “Yoshihara and Gutai, 1954-1972”, Cultural Center, Ashiya “Action, Emotion. Peinting: Informal, Cobra, Gutai”, Museum of Modern Art, Osaka “Reconstructions: Avant-Garde Art in Japan 1945-1965”, Museum of Modern Art, Oxford “Grupo Gutai: Pintura y Acciòn”, Museo Espanol de Arte Contemporàneo, Madrid; Muszej Savremene Umetnosti, Belgrado; Museum of Modern Art, Kobe 1984 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES Performance, Hundertmark Gallery, Colonia
1983 GROUP EXHIBITIONS “6 Artists of Gutai/Artists'Union” Municipal Art Gallery, Itami 1982 GROUP EXHIBITIONS “Toward the Museum of Tomorrow- Live Art Theater ”, Museum of Modern Art, Kobe
1981 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES Exhibition, Center of Contemporary Art, Osaka
GROUP EXHIBITIONS “Directions in Post-War Art I- The 1950s- Gloom and Shafts of Lights”, Museum of Modern Art, Tokyo 1979 GROUP EXHIBITIONS “After Yoshihara and Gutai”, Museum of Modern Art, Kobe
1976 GROUP EXHIBITIONS “Today's Notion of Space”, Municipal Art Gallery, Yokohama “18 years Art Gutai”, Prefectural Art Gallery, Osaka 1972 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES Exhibition, Galeria Sobrad, Sao Paolo Exhibition, Muramatsu Gallery, Tokyo
1970 GROUP EXHIBITIONS Pavilion Gutai, Expo, Osaka
1969 GROUP EXHIBITIONS “9 Contemporary japanese art Exhibition”, Tokyo Museum, Tokyo
1966 GROUP EXHIBITIONS “2 e Salon International des galeries pilotes”, Lousanne
1965 GROUP EXHIBITIONS “Nul Negentienhonderd vijf en Zegtig”, Stedelijk Museum, Amsterdam 1962 SOLO EXHIBITIONS AND PERFORMANCES Personal exhibition, Pinacoteca Gutai, Osaka 1961 GROUP EXHIBITIONS “Continuité et avant-garde au Japon”, International Center of Aesthetic Research, Turin
1960 GROUP EXHIBITIONS “International Sky Festival”, Great Stores Takashimaya, Osaka
1959 GROUP EXHIBITIONS “Arte Nuova: Esposizione Internazionale di Pittura e Scultura”, Circolo degli Artisti, Palazzo Graneri, Turin “15 contemporary Japanese artists introduced by Michel Tapié”, Gendai Gallery, Tokyo
1958 GROUP EXHIBITIONS “Second Gutai stage Exhibition”, Center Asahi, Osaka “The new painting in the world. Informal and Gutai”, Great Stores Takashimaya, Osaka 1957 GROUP EXHIBITIONS “Gutai stage Exhibition”, Center Sankei, Osaka, Center Sankei, Tokyo “1st Exhibition of young talents Asahi”, Great Stores Takashimaya, Osaka 1956 GROUP EXHIBITIONS “2nd Gutai Open-air Exhibition”, Ashiya “2nd Art Gutai Exhibition”, Center Ohara, Tokyo
1955 GROUP EXHIBITIONS “1st Gutai Open-air Exhibition”, Ashiya “1st Art Gutai Exhibition”, Center Ohara, Tokyo
PRESENCE IN COLLECTIONS AND MUSEUMS WORLDWIDE
JAPAN Museum of Contemporary Art, Tokyo Fukuoka Museum of Art, Fukuoka Hyogo Prefectural Museum of Art, Hyogo Museum of Modern Art, Osaka Museum of Contemporary Art, Osaka Shizuoka Prefectural Museum of Art, Shizuoka Nara Museum, Nara Takamatsu Museum of Art, Takamatsu Ashiya City Museum of Art and History, Ashiya Miyagi Museum of Art, Miyagi Gifu Museum, Gifu
EUROPE AND USA Tate Modern, London Centre George Pompidou, Paris Paris Gallery, Paris National Museum of Modern Art, Rome Mail Art Museum, Berna International Modern Art Gallery, Cà Pesaro, Venice
G. Cane, Gutai. Quando il mondo è inondato di colore, in “Il Manifesto”, Milan, 31st May 2008
R. Chiessi, V. Deho, S.Shimamoto, Shozo Shimamoto: Action colours 1950-2006, exh.cat., Galleria Pier Giuseppe Carini & Luciano Donatini, San Giovanni Valdarno (AR) 2007
S.Shimamoto, Shozo Shimamoto: Napoli 26-27-28 maggio 2006, exh.cat., Fondazione Morra editions, Naples 2006
Various Authors, Zero. Avant-garde Internationale des années 1950-60, exh.cat., Musée Saint Etienne Metropole, Dusseldorf 2006
O. Shinichiro, Traces: body and idea in contemporary art, exh.cat., National Museum of Modern Art, Kyoto 2005
G. Di Mauro, M.L. Pavanini, S. Shimamoto, Shozo Shimamoto: dal Gutai a Proxima 1955-2004, exh.cat., Galleria Internazionale d'arte moderna e Museo d'arte orientale Ca' Pesaro, Venice 2004
A. Bonito Oliva, Le Tribù dell'Arte, exh. cat., Galleria Comunale d'Arte Moderna e Contemporanea, Skira editions, Milan 2001
I. Masaaki, Japanese painting from 1800 to 2000, Skira editions, Milan 2001
Various Authors, Sentieri interrotti. Crisi della rappresentazione e iconoclastia nelle arti dagli anni Cinquanta alla fine del Secolo, exh.cat., Charta editions, Bassano del Grappa 2000
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Y. Tono, “Jackson Pollock et le groupe Gutai”, Jackson Pollock, exh.cat., Centre George Pompidou, Paris 1982
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B. Bertozzi, Gutai. The happening people, in “Flash Art International” N°158 summer 1991
Giappone all'avanguardia. Gruppo Gutai negli anni Cinquanta, exh.cat., a cura di S.Osaki, A. Monferrini, M. Cossu, Electa editions, Milan 1990
Centre Georges Pompidou, Japon des avant gardes. 1910-1970. exh.cat., Centre Pompidou editions, Paris 1986
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M. Tapié, The international art of a new era: USA, Japan, Europe, exh.cat., Nishinomiya Shozo Shimamoto, 1958
Hermann Nitsch was born in Wien in 1938. He was one of the most important artists of the Actionist movement in Wien. While studying graphic illustration, he became interested in religious art. He made copies from Rembrandt's “100 Gulden Blatt” and “Christ Crucified”, and from other religious themes by artists such as Tintoretto and El Greco. He was strongly influenced by Cézanne, Klimt and Munch. From 1957 onwards, the depiction of Dionysian revelry and ceremonies began to feature in his work. In 1957, Hermann Nitsch conceived an idea for a radical theatre, which he called the “Orgien Mysterien Theater”. The O.M. Theatre took its shape from ideas about Aristotelian catharsis, Freudian psychology, conventional theatre and Dionysic orges. It is an attempt to create a Gesamtkunstwerk, a 'total art', a mystical experience that involves all senses. The first performances of the “O.M. Theatre” consisted of Hermann Nitsch and friends using animal carcasses, entrails and blood in a ritualistic way. Cloths, bandages and other fabrics used in these performances introduced Nitsch to the idea of making paintings. 1960 saw the first exhibition of his “Aktion” paintings in Wien. In 1961 he organized with Günter Brus, Alfons Schilling, Otto Muel and Adolf Frohner, the artistic group “Wiener Aktionismus”, Art in action, bringing to Austria the expressionist style together with dramatic themes and gestural painting. The first Action was called Blood Organ and was represented in 1962 in Wien. It lasted 30 minutes. A man was bound and covered with a white sheet and the artist throw on him blood which consequently slide on the ground and the sheet. This way of making artworks is re utilized by the artists in his future artworks “Shuettbitter” or poured paintings. Nitsch considered that theater, sculpture and paintings are strictly linked. In his performances he discovered always hidden and pent-up instincts. During the period in which the artist lived in Wien, his use of taboo images put him out of favour with the authorities. His “Aktions” were closed down by the police. Hermann Nitsch spent some time in prison for blasphemy and provoking scandals. In 1968 Jonas Mekas invited him to New York, where he met the Fluxus performance artists. He staged “Aktions” in the streets of New York, as well as at the Judson Church & Cinematheque. In 1971 Hermann Nitsch bought Prinzendorf castle in the wine-producing area of northern Austria, so that it might become a centre for the activities of the “O.M. Theatre”. During that time he staged performances and exhibitions in Italy, France, the US and Germany. The artist start to compose himself some music that became increasingly prominent in his performances. In 1972 he participated in Documenta V, Kassel, and staged “Aktions” at the Mercer Center and Everson Museum of Art. In 1984, Hermann Nitsch staged a performance that lasted three days and three nights at Prinzendorf. In 1988 he married Rita Leitenbor. In 1989 he began teaching at the Arts Academy in Frankfurt and in the mid-90's he co-directed and designed the set for the opera Herodiade by Jules Massenet at the Wien State Opera. In 1996 he performed an “Aktions” in the wine-yards of San Martino (Naples), and in 1998 staged the 6-day play in Prinzendorf, an “Aktions” that Hermann Nitsch sees as the greatest achievement of his career. In 2005 he won the Austrian State Prize at Burgteather in Wien for the Aktion 122. In 2007 Mistelbach opened a dedicated museum: the Hermann Nitsch Museum and in 2008 Fondazione Morra in Naples opened the Museum Archive Laboratory for Contemporary Arts Hermann Nitsch.
2008 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Lelong, Zurich
2007 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Hilger, Wien Niederösterreichisches Landesmusem, St.Pölten Galerie Maringer, St.Pölten Galerie am Stein, Schärding Inauguration of Hermann Nitsch Museum, Mistelbach Galerie Fortlaan 17, Ghent “Relitti-122. Aktion-Burgtheater”, Wien; Fondazione Morra, Naples Park Hotel, Ravenna Galerie Public Beaumont, Luxembourg Box Art, Verona Galerie Public Beaumont, Paris Galerie Jünger, Baden Galleria De' Foscherari, Bologna Kunsthaus, Bregenz
GROUP EXHIBITIONS Künstlerhaus, Wien 2006 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Curtze, Berlin Galerie White Space, Beijing Mike Weiss Galery, New York Galerie Yamamoto Gendai, Tokyo Martin-Gropius-Bau, Berlin “Large Retrospective”, Galerie Weihergut, Salzburg Primo Piano Livingallery, Lecce Galerie 422, Gmunden 2005 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “122.Aktion”, Burgtheater, Wien Lower Austrian Centre of Documentation of Modern Art, St. Pölten Saatchi Gallery, London Neue Galerie, Graz Galerie Christine König, Wien Galerie Jünger, Baden Station Museum of Contemporary Art, Houston “Actions 1962-2003”, Slought Foundation, Phildelphia 2004 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Mike Weiss Gallery, New York Graphische Sammlung im Städelmuseum, Frankfurt Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien Brucknerhaus, Linz Haus der Musik, Wien Galerie am Stein, Schärding
2003 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Retrospective” Kulturamt Köflach, Sammlung Essl Art Scarplin, Merano Fondazione Morra, Naples Galerie Kunst & Handel, Graz Haus der Musik, WienGalerie Gerersdorfer, Wien Galerie im Traklhaus, Salzburg “Hermann Nitsch, works from Sammlung Essl 1960-2000”, Sammlung Essl, Klosterneuburg
GROUP EXHIBITIONS “Good Morning Balkan”, Athens
2002 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Fondazione Morra, Naples Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien Museum der Moderne Salzburg Rupertinum, Salzburg Gallery Fortlaan, Ghent
2001 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Das große Bodenbild as part of the Master Works series”, Belvedere Museum, Wien “O.M. Theater Projects United”, Hürlimann Areal, Zurich “Das 6 Tage Spiel 1998”, Hamburger Bahnhof, Berlin
2000 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “L'ultima cena”, Palazzo Stelline, Milan
GROUP EXHIBITIONS Paradise lost, Stephanssift, Hannover 1999 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Orchestra concert: the music of the 6 Day Play“ performed at the ORF Radiokulturhaus, Wien; Hamburger Bahnhof, Museum der Gegenwart, Berlin; Kunst und Ausstellungshalle der BRD, Bonn “Exhibition of relics”, relic installations and videos of the “6 Tage Spiel” 1998 (6 Day Play), Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien; Kiscelli Museum, Budapest White Box Gallery, Philadelphia
1998 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “The 6 Day Play of the Orgien Mysterien Theater”, Prinzendorf Palace, Prinzendorf
GROUP EXHIBITIONS “Out of actions: between performance and the object, 1949-1979”, Moca, Los Angeles 1997 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “40. Painting action”, Museum d. 20. jhdt.s, Wien “Retrospective”, Konsthallen, Göteborg “Retrospective”, Musée d'Art et d'Histoire, Luxemburg Neue Galerie, Linz Underwoodstreet Gallery, London Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, 20er Haus, Wien Kunstraum, Innsbruck
GROUP EXHIBITIONS “Die epoche der moderne” Kunst im 20. jhdt., Wien; Martin Gropius Bau, Berlin “Body”, the Art Gallery of new south Wales; Sydney Institute of contemporary art, London
1996 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “96. Action, 12 hours”, San Marino, Naples “38. Painting Action”, Schömerhaus, Klosterneuburg Galleria Stefania Miscetti, Rome Museum Moderner Kunst Stiftung Wörlen, Passau Palazzo delle Esposizioni, Rome Kunstverein, Gmunden Retrospective, Sala Parpalló, Valencia Galleria Giuseppe Morra, Naples “Retrospective”, Casal Solleric, Palma de Mallorca
GROUP EXHIBITIONS “Artisti austriaci a Roma”, Palazzo Braschi, Rome “Malerei in österreich” 1945-95“, Künstlerhaus, Wien “Mysterium wein”, Hstorisches Museum der pfalz, Speyer “Chaos wahnsinn”, Kunsthalle, Krems “L´art au corps”, Musée d´Art Contemporain, Marseille 1995 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Action and exhibition”, Trinitatiskirche, Köln Galerie Barlach, Hamburg “Retrospective”, Künstlerhaus, Wien
GROUP EXHIBITIONS Stedelijk museum, Amsterdam Kunsthalle, Budapest “L'art contemporain autrichien”, Rouen 1994 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Raiffeisenhalle, Frankfurt Kunsthalle, Krems Casina Vanvitelliana, Fusaro, Naples Kärntner Landesmuseum, Klagenfurt Galerie Fred Jahn, München
GROUP EXHIBITIONS “Malfiguren”, Museum Moderner Kunst, Wien “Hors limits”, Centre Georges Pompidou, Paris “L´incanto e la trascendenza”, Castel Ivano, Trento “Il paese della meraviglie e le tavole della legge”, Castello di Volpaia (SI)
1993 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Rány a Mystéria”, National Gallery, Prague Neues Museum Weserburg, Bremen Galerie Fred Jahn, München Galerie Heike Curtze, Düsseldorf Galleria Cattellani, Modena
GROUP EXHIBITIONS Akademie der Künste, Berlin
1992 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Retrospektive anlässlich der weltausstellung”, Pabellon de las Artes, Sevilla Galerie heike Curtze, Prinzendorf Galerie Ursula Krinzinger, Wien Galerie Taddaeus Ropac, Paris
GROUP EXHIBITIONS “Casula”, Kunststation St. Petri, Köln
1991 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Festspielhaus, Bregenz Traklhaus, Salzburg Galleria civica d'Arte Contemporanea, Trento
GROUP EXHIBITIONS Liljevalchs Konsthall, Stockholm 1990 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Gemeentemuseum, Den Haag “Aktionsmalereien”, Galerie Heike Curtze, Wien Galerie Ottesen, Kopenhagen Galerie AK, Frankfurt Galerie Maeght Lelong, Zürich Rupertinum, Salzburg Galerie Beaumont, Luxemburg
1989 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Museum des 20. Jahrhunderts, Wien Kunstverein, Salzburg Luhring & Augustine, New York Galerie Donguy, Paris 1988 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS David Nolan Gallery, New York Städtische Galerie im Lenbachhaus, München
GROUP EXHIBITIONS First major Retrospective Exhibition, Lenbachhaus, München Museum des 20. Jahrhunderts, Wien
1987 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Villa Pignatelli, Naples “20th painting action and exhibition”, Wiener Secession, Wien 1986 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Studio Morra, Naples Piccolo Palazzo dell'arte, Merano Galerie Fred Jahn, München Kurt Salchi, Bern
GROUP EXHIBITIONS “Rennweg”, Sala Pablo Ruiz Picasso, Madrid “Dal profondo”, Padiglione d´arte Contemporanea, Milan “Beuys zu ehren”, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München
1985 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Maeght Lelong, Zurich
1984 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Franz Paludetto, Turin “80th action lasting 72 hours”, Prinzendorf
1983 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Van Abbe Museum, Eindhoven Galerie Fred Jahn, München Neue Galerie, Linz
GROUP EXHIBITIONS Der hang zum Gesamtkunstwerk, Museum mod. Kunst, Wien
1982 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Gadenstätter, Zell am See
GROUP EXHIBITIONS Documenta VII, Kassel
1981 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Pakesch, Wien Kulturhaus, Graz
1979 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Heike Curtze, Düsseldorf Galerie Petersen, Berlin 1978 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Retrospective 1960-77”, Modern Art Gallery, Wien
1977 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS De Appel Gallery, Amsterdam
1976 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Kunstverein, Kassel
1975 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Ursula Krinzinger Gallery, Innsbruck Galerie Stadler, Paris
1974 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Studio Morra, Naples Galerie Diagramma, Milan “The 24-hour 50th Aktion”, Prinzendorf
1973 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Werner, Köln Galerie Klewan, Wien
1972 GROUP EXHIBITIONS Documenta V, Kassel
1970 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Aktionen”, New York
GROUP EXHIBITIONS “Happening und Fluxus”, Kunstverein, Köln
1968 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Cinematheque”performance of his 25th and 26th actions, New York 1966 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS “Destruction in art symposium”, London
1964 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Junge Generation, Wien
1963 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Dvorak, Wien 1961 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Galerie Fuch, Wien
1960-66 SOLO EXHIBITIONS AND ACTIONS Actions and exhibitions in Wien, which result in several court trials and three prison terms
PRESENCE IN COLLECTIONS AND MUSEUMS WORLDWIDE
Museum of Modern Art, New York Guggenheim Collection, New York Metropolitan Museum, New York Museum University of Yale, New Haven Gallery of Ontario, Toronto Tate Gallery, London Musée Centre George Pompidou, Paris Stedelijk Van Abbe Museum, Eindhoven Castello di Rivoli, Turin Sammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf Museum Ludwig, Köln; Lenbachhaus, München Nationalgalerie, München Graphische sammlung, München Staatsgalerie, Stuttgart Kunsthalle, Hamburg Museum Neue Galerie, Saarbrücken Schloss Moorsbroich, Leverkusen Museo Capodimonte, Naples Kunstmuseum, Bern Kunst-Museum, Winterthur Museum Moderner Kunst-Stiftung Ludwig, Wien Wolfgang Gurlitt Museum, Linz Rupertinum, Salzburg; Ferdinandeum, Innsbruck Sammlung Essl, Klosterneuburg Stedelijk Museum, Amsterdam Galleria d'Arte Moderna, Bologna Walker Art Center, Mineapolis Mart, Trento
Hermann Nitsch, Die farblehre des O.M.Theaters niederösterreichischen landesmusem, Residenz Verlag, St. Pölten 2007
Hermann Nitsch, Neue Arbeiten Galerie Weihergut, Salzburg 2006
Hermann Nitsch, Aktionsmalerei 2005-2006, Galerie Heike Curtze, Berlin 2006
Hermann Nitsch, Orgien Mysterien Theater, Nationalgalerie im Martin Gropius-bau, Berlin 2006
H-acktivism: Hermann Nitsch, Primo Piano Livingallery, Lecce 2006
Hermann Nitsch, The Orgies Mysteries Theatre, Museum of Contemporary Art, Houston 2005
Hermann Nitsch, Paintings, Mike Weiss Gallery editions, Mike Weiss, New York 2004
Hermann Nitsch, Eine Retrospektive Sammlung Essl Privatstiftung Edition Sammlung Essl, Klosterneuburg, Wien 2003
Hermann Nitsch, Das 6-tage-spiel in Prinzendorf 1998, Museum Moderner kunst, Stiftung Ludwig, Wien 1999
Aktionsmalerei und relikte 1963-94 , Galerie Kalb, Wien 1998
Hermann Nitsch, Neue galerie der Stadt Linz, Peter Baum, Linz 1997
Hermann Nitsch, Das O.M.Theater, Museum Moderner Kunst, Stiftung Wörlen, Passau 1996
Hermann Nitsch, Das Orgien Mysterien Theater, Museum Moderner kunst, Stiftung Ludwig, Wien 1996
La composizione testuale del teatro delle orge e dei misteri, Kärntner Landesgalerie u. Internationales Grafikzentrum Ljubljana, Fondazione Morra editions, Naples 1994
Hermann Nitsch, O.M.Theater Kärntner, Landesgalerie u. Internationales Grafikzentrum, Ljubljana 1994
Nitsch/Schwarzkogler verwundungen und mysterien, National Gallery, Prague 1993
Hermann Nitsch, Pabellón de las artes, Sevilla 1992
Hermann Nitsch Passionen 1960-90, aktionsmalerei u. relikte, Ausstellungskatalog St.petri, Lübeck 1991
Hermann Nitsch, Galleria civica di arte contemporanea, Trento 1991
Asolo-raum 1973, Galerie krinzinger, Wien 1990
Hermann Nitsch 1960-1987, Museo Pignatelli Cortes, Fondazione Morra editions, Naples 1987
Die wortdichtung des O.M.Theaters Otto Breicha, Kulturhaus Graz, Prinzendorf 1982
Projekt Prinzendorf - das O.M.Theater von Hermann Nitsch Otto Breicha, Kulturhaus Graz, Graz 1981
Original Literature
Hermann Nitsch, Das orgien mysterien theater, 122. aktion, Burgtheater 2005 Otmar Rychlik, Kunst/agentur editions, 2006
Hermann Nitsch, Wiener vorlesungen böhlau, Verlag 2005
Hermann Nitsch, Das sechstagespiel Otmar Rychlik, Hatje Cantz Verlag Ostfildern, Verlag 2003
Cuma. König ödipus, III. Band Verlag des O.M.Theaters, Prinzendorf 2001
Edipo re una teoria di rappresentazione del dramma 1964, Fondazione Morra editions, Naples 2001
Partitur d. 6-tage-spiels 1., 2. u. 3. teil reibord, Wien 1998
The fall of Jerusalem Malcolm Green, Atlas press, London 1997
Die wortdichtung des II feibord, Wien, 1996
Zur theorie des O.M.Theaters - Zweiter Versuch Residenzverlag, Salzburg 1995
La composizione testuale del teatro delle orge e dei misteri, Fondazione Morra editions, Naples 1994
Cuma, I. und II.band verlag des O.M. heaters, Prinzendorf 1994
Die architektur des O.M.Theaters band II fred jahn, München 1993
Das O.M.Theaters manifeste, Vorträge, Aufsätze Residenzverlag, Salzburg 1990
Das rote tuch - Der mensch das unappetitlichste vieh freibord, Wien 1988
Das Orgien Mysterien theater, 80. aktion fred jahn, München 1988
Cuma, III. Fest, Naples 1988
Die architektur des O.M.Theaters band 1, Fred Jahn, München 1987
König Ödipus - Eine spielbare theorie des dramas J.Knoblauch, Kalter Schweiss editions, Berlin 1986
Harmating - Ein fest, Fondazione Morra editions, Naples 1986
Das O.M.Theater - partituren aller aufgeführten aktionen band 4, Freibord editions, Wien 1984
Das O.M.Theater - 1960-1983, Eindhoven 1983
Das O.M.Theater - lesebuch freibord, Wien 1983
Das O.M.Theater - die partitur des 1. tages und der 1. nacht des 6-tages-spieles o.m. theatres, Prinzendorf 1983
Behauptungen und beschreibungen zum projekt des O.M.Theaters (ordensregeln) altona-hohengebraching, Wien 1981
Das O.M.Theater - partituren aller aufgeführten aktionen band 1, 2, Fondazione Morra editions, Naples 1979-84
Die eroberung von jerusalem die drossel, Berlin 1977
Partitur zur 50. aktion günter brus die drossel, Berlin 1976
Harmating - Ein fest sonderedition bd. 5 d. schastrommel, Günter Brus, Berlin 1972
Das O.M.Theaters, Märzverlag, Darmstadt 1969
Second Literature
Nicht nur Farbe sondern auch Blut. Über Hermann Nitsch - Vierzehn Versuche aus achtzehn Jahren Wieland Schmied Bibliothek der Provinz, Heidenreichstein 2007
Winterreise. From Asolo to New York and vice Versa 1974, Archive Conz, Verona 2007
Nitsch, Der mensch hinter seinen aktionen fotografien von erika schmied residenz verlag, Salzburg 2005
Hermann Nitsch, Das orgien mysterien theater. fotos früherer aktionen Otmar Rychlik, Kunstverein, Rosenheim 2005
Hermann Nitsch, leben und arbeit aufgezeichnet von Danielle Spera brandstätter verlag, Wien 2005
Hermann Nitsch, leben und arbeit aufgezeichnet von Danielle Spera brandstätter verlag, Wien 1999
Balkon band 9/98, sondernummer zu Hermann Nitsch, das 6-tage-spiel in Prinzendorf 1998, Budapest 1998
Reizwort Nitsch vlg., Sonderzahl, Wien 1995
Hermann Nitsch. Eine biographische skizze, Kunsthalle Krems, Krems 1994
Das bildnerische werk residenzverlag, Salzburg 1989
Das früheste werk Otmar Rychlik, Sonderzahl, Wien 1986
Georges Mathieu was born at Boulogne-sur-Mer (Pas-de-Calais) in 1921. Mathieu studied literature and philosophy at Lille University before switching to art at the age of twenty-one. He taught English at Douai High School and French at the American University of Biarritz. After an interest in realistic landscapes and portraits, Mathieu developed a distinctive Abstract Expressionist style, which grew out of an emotionally driven, improvised and intuitive act of painting. In 1946 his first exhibition was presented at VI Salon de moins de 30 ans at the Galerie des Beaux Arts in Paris. His first personal exhibition was in 1950 at the Galerie René Drouin. In 1947 Mathieu worked with Camille Bryen to organize a tachist-oriented exhibition, which he designated as 'non-figuration physique'. His painting, defined 'lyrical abstractions', goes beyond traditional and formal constraints of regulative systems, placing Mathieu with Fautrier and Dubuffet as an important exponent of French Informel, as defined by the French art critic Tapiè. Up to 1951, Mathieu continued to organize group shows to demonstrate his interest in Jackson Pollock's spontaneous gestural handling of paint. In those years he, among his numerous exhibitions, organized an event to show the difference between American and European painting styles at the Montparnasse Gallery. His artworks were appreciated internationally and exposed in London and New York. His first paintings were defined tachists by critics because of the artist's use of lumps of color (tache, in fact, means stain) directly applied on canvas. His works are apparently confused but they all have a central axis from which curves and lines develop in a planned way. In 1950 his projects were no more focused on signs but on painting gestures and quickness. His painting was intuitive and irrational. From 1954 Mathieu staged the painting of large-scale works as theatrical events, culminating in utilizing 800 tubes of paint to create a painting measuring 4 x 12 meters in front of an audience of 2000 at the Théâtre Sarah-Bernhardt in 1956. Somewhere between Happening and Action Painting, Mathieu succeeded in producing a decoratively linear painting, reminiscent of calligraphy. Mathieu continued to perform his Action Paintings throughout Europe and Japan. He went to Japan together with Tapié to meet the Gutai Group. There he executed a kimono performance during an action-painting show. During this event he also realized 21 artworks and among these we find a 15 m painting. Mathieu's works were shown at special exhibitions in Paris and New York in 1950 and 1952. He participated in numerous international exhibitions, including Documenta II in 1959. In the early 1960s Mathieu also created sculptures and designed furnitures, tapestries and frescoes. In 1975 he was elected a member of Arts Academy in Paris and in 1986 he exposed his works at Biennale di Venezia. Georges Mathieu was defined the founder of Tachism, and art theorist in the essay “Au-delà du Tachisme”. He also composed essays on architecture, furniture and typography.
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2008 GROUP EXHIBITIONS “Pensieri Ordinati”, Bonioni Arte, Reggio Emilia “Estetika. Forma & segno. Da Renoir a De Chirico”, Villa Ponti, Fondazione Art Museo, Arona
2007 GROUP EXHIBITIONS “Nel segno della materia”, Palazzo De Sanctis, Castellalto (TE) “Sei mostre in contemporanea”, Satura, Palazzo Stella, Genoa “Liberi Segni”, Galleria Biasutti & Biasutti, Turin
2003 SOLO EXHIBITIONS Galleria Credito Valtellinese, Milan
1999 GROUP EXHIBITIONS “Posizioni. Museiondocumenta 1999: opera dalla collezione”, Bolzen
1991 SOLO EXHIBITIONS Galleria arte 92, Milan
1990 SOLO EXHIBITIONS Galleria d'arte Elleni, Bergamo Stockholm Art Fair, Stockholm
1989 SOLO EXHIBITIONS Galleria dello scudo, Verona Ermitage, San Pietroburgo Centro Culturale Sant'Andrea, Savona Galleria Art Valley, Forte dei Marmi Grand Palais, Paris
1988 SOLO EXHIBITIONS Galleria Narciso, Turin Galleria De Crescenzo, Rome Huber Gallery, Zurich
1987 SOLO EXHIBITIONS Findlay Gallery, New York Galleria La Loggia, Bologna Galleria De Crescenzo, Rome
1984 SOLO EXHIBITIONS Hôtel Meridien, Singapor
1980 SOLO EXHIBITIONS Art Basel, Basel Musée de la Poste, Paris
1979 SOLO EXHIBITIONS Dominion Gallery, Montreal Wildestein, New York
1978 SOLO EXHIBITIONS Grand Palais, Paris Festival d'Art Lyrique, Aix-en-Provence
1977 SOLO EXHIBITIONS Galeria Punto, Valencia Galeria Valera, Bilbao Kursaal, Ostenda Festival International, Istanbul
1976 SOLO EXHIBITIONS Musée Picasso, Antibes Galeria Beaubourg, Barcelona
1974 SOLO EXHIBITIONS Galerie Beaubourg, Paris
1973 SOLO EXHIBITIONS Opera, Berlin
1972 SOLO EXHIBITIONS Art Center, Beirut
1971 SOLO EXHIBITIONS Galerie Stadler, Paris Lalikata Academy, New Dehli
1967 SOLO EXHIBITIONS Galerie Argos, Nantes Kustverein, Colonia Musée National d'Art Modern, Paris
1966 SOLO EXHIBITIONS Musée des Beaux-Arts, Nantes
1965 SOLO EXHIBITIONS Gimpel & Hanover, Zurich Court Gallery, Copenaghen K. B. Gallery, Oslo Galleria il Milione, Milan
1963 SOLO EXHIBITIONS Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Galerie Art et Culture, Gèneve
1962 SOLO EXHIBITIONS Bezalel Museum, Jerusalem Neue Galerie in Künstler-haus, München Galleria La Bussola, Turin Galleria l'Ariete, Milan Galleria La Loggia, Bologna Museum of Art, Tel Aviv
1961 SOLO EXHIBITIONS Presidential Palace, Beirut
1960 SOLO EXHIBITIONS Museu de Arte, São Paolo Ateneo, Madrid New London Gallery, London Galleria del Cavallino, Venice
1959 SOLO EXHIBITIONS Kunstverein, Colonia Galleria San Babila, Milan Haus Lange Museum, Krefeld Musée des Beaux-Arts, Neuchâtel Musée de l'Athénee, Géneve Museum of Modern Art, Rio de Janeiro Bonino Gallery, Buenos Aires
GROUP EXHIBITIONS “Karel Appel, Georges Mathieu, Mattia Moreni, Jean-Paul Riopelle”, Kunsthalle, Basel
1958 SOLO EXHIBITIONS Schmela Gallery, Düsseldorf Art Latin Gallery, Stoccolma Galerie Grange, Lion Chichio Haller Gallery, Zurich Kunstmuseum, Basel Galleria Castelnuovo, Ascona Musée des Beaux-Arts, Lièges
1957 SOLO EXHIBITIONS Palais des Beaux-Arts, Bruxelles Shirokiya Gallery, Tokyo Daimaru Gallery, Osaka Galleria del Naviglio, Milan Galerie Helios Art, Bruxelles Galleria Selecta, Rome
1956 SOLO EXHIBITIONS Galerie Pierre, Paris Institute of Contemporary Art, London
1955 SOLO EXHIBITIONS Alexander Iolas Gallery, New York
1954 SOLO EXHIBITIONS Kootz Gallery, New york Galerie Rive Droite, Paris Art Club, Chicago
1953 SOLO EXHIBITIONS Galerie Marcel Evrard, Lille
1952 SOLO EXHIBITIONS Studio Paul Facchetti, Paris Stable Gallery, New York
1951 SOLO EXHIBITIONS "Véhémences Confrontées", Galerie Dausset, Paris
1950 SOLO EXHIBITIONS Galerie Renè Drouin, Paris
1948 GROUP EXHIBITIONS "H.W.P.S.M.T.B” Galerie Colette Allendy, Paris
1947 GROUP EXHIBITIONS “Salon des Réalités Nouvelles”, Paris “L'imaginaire” Galerie du Luxembourg, Paris
1946 GROUP EXHIBITIONS “VI Salon de moins de 30 ans”, Galleria des Beaux Arts, Paris
L. Harambourg, Georges Mathieu, Ides et Calendes 2002
Posizioni. Museiondocumenta 1999: opera dalla collezione, exh. cat., Museion, Bolzano 1999
Georges Mathieu, exh. cat., Galleria d'arte 92, Milano 1991
Georges Mathieu, exh. cat., Elleni Galleria d'arte, Bergamo 1990
F. Mathey, Mathieu, Celiv, Hardcover 1989
Georges Mathieu: The art of lyrical abstraction, exh. cat., Wally Findlay Gallery, 1986
Various Authors, Art Series - Magritte, Georges Mathieu, Courbet, Bonnard, Marcel Duchamp, Maillol, Henri Matisse, Van Dongen, Raoul Dufy, Gauguin, Crown Publisher, Hardcover 1978
D. Quignon-fleuret, Georges Mathieu, Crown Publishers, Hardcover 1977
M.R. Mioni, Georges Mathieu e la poetica del segno, Università degli Studi di Padova, Padova 1976-77
G. Mathieu, Au-dela du tachisme, Julliard, Paris 1969
G. Mathieu, Georges Mathieu, exh. cat., Paperback, Gimpel Fils Gallery; Gimpel & Hanover Galerie, 1968
G. Mathieu, Pour une désaliénation de l'art, 1961
G. Mathieu, three articles in English in “Art International”, Zurich, May 1960
F. Russoli, Catalogue of the Collective Exhibition organized by Associazione delle Arti Figurative, in “Notizie”, Turin, March 1960
Karel Appel, Georges Mathieu, Mattia Moreni, Jean-Paul Riopelle, exh. cat., Kunsthalle Basel, Benno Schwabe & Co, 1959
J. Fitzsimmons, Preface to the Mathieu Exhibition, Kootz Gallery, New York 1957
M. Tapié, Mathieu paints a Picture, in “Art News”, February 1955
J. Alvard, Mathieu, in “Cimaise”, November 1953
G. Mathieu, Déclaration aux peintres d'avant-garde américains, 1952
